La Gruta de Trofonio: de Ópera, Música, Teatro, Literatura y Cultura

La Inauguración de Vaclav Havel por la UNAM: verguenza frente al espejo

2012-05-16T16:48:00.000-07:00

Dentro del marco del San Pedro ArteFest se presentó la obra del literato y ex-presidente checo Vaclav Havel, la Inauguracíón. La producción es de la UNAM y ha sido realizada Aura Gómez Arreola y Gerardo Tagle. Contó con la dirección de David Psalmon y las actuaciones de Nailea Norvind, Hernán Mendoza y Sergio Ramos.

La obra es compacta y efectiva en gran medida gracias a un diseño de escenografía y vestuario efectivo de parte de Aura Gómez Arreola. Las pantallas de televisión, el decorado parco de un departamento moderno, los elementos simbólicos como el confesionario, la silla tosca de madera del invitado (más cercana a una silla de tortura), el sofá de plástico de los anfitriones.

La dramaturgia es interrumpida por comerciales de televisión así como por asistentes, apuntador y maquillista. El principal punto de la trama es la parafernalia vacía y frívola de la vida de hoy, el consumismo desalmado y la dependencia de la felicidad en ello.

Ferdinand es invitado del matrimonio conformado por Vera y Michael pero lo que al principio parece una feliz pareja va revelándose en un fanatismo al consumo y la dependencia de una vida plena y correcta en ese sistema de comerciales, apariencias y objetos nuevos, sofisticados o snobs. Pronto Ferdinand queda alienado a pesar de ciertos intentos heróicos de resistencia. Incluso al final, cuando trata de huir de ese mundo no puede resistir regresar a este. La obra impactó también por sus alusiones a la sexualidad mediática y el baile sexual que la propia Vera hace sugestivamente sobre su invitado.

Al final todos quedamos avergonzados pues sin duda nos hemos identificado, más aún en algunos sectores de la ciudad de Monterrey. Es indudable que si nuestra sociedad mexicana actual carece de paz y armonía es en gran medida debido a la desproporcionada ambición que nos ha llevado a tener más de lo que necesitamos. Después de 36 años "La Inauguración" sigue siendo tan poderosa en su discurso.

El trabajo de los actores es un ensamble perfecto; Hernán Mendoza impregna a Michael de una bonhomía de fachada que pronto deja al descubierto la superficialidad material y sexual. Nailea Norvind encarna una Vera visualmente atractiva, casi histérica en sus avances sexuales y mecánica en su discurso. El Ferdinand de Sergio Ramos impacta con su gradual desmoronamiento, incapaz de anteponer con decisión sus convicciones. Con menos diálogo hace mucho con sus gestos de sorpresa.

La dirección de David Psalmon ha destacado acertadamente esa paradoja de la obra; La realidad humana enmarcada por la realidad sesgada y ambas construidas por la misma mano.

¡Bravo Doctor! Rosendo Flores triunfa en el "Elixir de Amor" de Donizetti, San Pedro ArteFest

2012-05-06T12:35:00.003-07:00

El Elixir de Amor de Gaetano Donizetti se ha convertido en la ópera más socorrida de la ciudad, tan solo en los últimos diez años, si mal no recuerdo, se pueden contar 4 puestas en escena incluyendo la presente. Puede ser en parte la falta de creatividad de los productores, pero también es una ópera que posee una frescura perene, cuando está bien interpretada .

Desafortunadamente, el estreno del Elixir de Amor en el Auditorio San Pedro el 4 de mayo, dentro del marco del San Pedro ArteFest fue una experiencia ambigua. En primer lugar la Orquesta ArteFest, organizada con algunos músicos destacados de la ciudad, sonó deslustrada, con volumen pequeño. Esto a pesar de algún buen solo como el fagot de John Veloz en la celebrada aria “Una furtiva Lagrima”.

No ayudó la desigual batuta de Teresa Rodríguez; a momentos carente de energía. Rara vez se escuchó el ímpetu rítmico de Donizetti o la calidez de sus melodías. No ayudó en nada, a tan inapetente lectura, la decisión de utilizar una edición que suprimió, entre otras cosas, una banda, un corno, una trompeta y tres trombones. El adelgazamiento de la orquesta resultó en una falta de presencia. La tradicional inclusión de platillos (los cuales son muy efectivos en el preludio, los finales o la escena de la boda) también fue ignorada. Pero eso no fue todo, los absurdos cortes en las strettas de algunos ensambles o duetos desfiguraron el flujo natural de la obra. ¿Por qué cortarle una estrofa a Dulcamara en su canción final cuando es precisamente la figura del reparto? Tal cantidad de recortes (debilitando el drama como el caso del corte a la revelación de la muerte del tío de Nemorino al final) me hicieron regresar a los registros de los 50’s y 60’s cuando el belcanto se veía como un estilo decorativo en el cual mientras menos música mejor.

La puesta en escena de Hernán Galindo me pareció kitch, con una bella iluminación y efectivos vestuarios para el coro y solistas. Quizá un poco rimbombante el vestuario de Dulcamara, con sus tonos lilas-rosados. Le escenografía corpórea dejó un poco qué desear; el árbol que parecía de navidad no cuajó como tampoco cuajaron las acartonadas ruinas. Para ver lo que se puede hacer con una producción de siglo XX de los 50’s se puede ver el trabajo de la English Touring Opera.

Se le debe aplaudir a Galindo la decisión de actualizar el Elixir, no tanto la conversión de Nemorino en casi un idiota, torpe y carente de gracia. Como personaje Nemorino no conquistó y eso es en principio un gran problema. Recordemos a Manuel Acosta, sobrio en escena, pero subrayando su ingenua ternura.

Es un gran placer escuchar a Rosendo Flores cuando está en buen momento. Si el año pasado no nos convenció a algunos en Ferrando, Dulcamara le queda al dedillo. Su magnífica voz, más cercana a la de un bajo-barítono que bajo cantante, se escuchó sonora, casi impecable en el parloteo, redonda en el registro medio y subrayando un personaje truhán y divertido. Un momento destacado fue el rapport que logró en el dueto con Adina así como el cuidado rítmico y melódico de la línea vocal de su aria en el primer acto.

Oscar Martínez encarnó un Belcore galante, papel que le queda al dedillo. Mostró un instrumento seguro y firme con algunas fiorituras bien logradas en su aria. Escénicamente es garantía. Es precisamente por su seguridad que nos lo encontramos frecuentemente en las propuestas operísticas de la ciudad pero se ha ganado a pulso y con trabajo este derecho.

La actuación no es el fuerte de José Luis Duval, quien comienza a verse ya bastante maduro para Nemorino. Pero en cambio posee esa voz lírica, bella, con agudos generalmente bien timbrados como en la “Furtiva lagrima” aunque en algún momento se puede apreciar alguna rigidez, dio la impresión de comenzar un poco frío pero en el segundo acto su canto poseyó esa italianita favorecida por su fino fraseo y algunos pianos bien logrados.

Eugenia Garza no es Adina. Si bien el papel, dramáticamente, le queda al dedillo, vocalmente ¿Quien quiere ver a una Aida en piel de Adina? El papel es para una lírico ligero, en la historia de la ópera recuerdo únicamente a Joan Sutheland cantando Leonora (Trovatore) y Adina, pero Garza no es Sutherland. Si bien acometió con cierto garbo la fioritura de su aria final había un cierto sentido de sobre elaboración. Cuando la música se encontraba en el registro medio podíamos escuchar algunas sonoridades bellas pero en general sonó estridente en las dinámicas fuertes incluyendo unos agudos poco tersos, especialmente uno cacofónico en el final del primer acto.

Muy acertada estuvo Alejandra Gómez en la Gianetta, a veces hubiéramos querido a ella en la Adina. Mostró un instrumento seguro, dúctil y con agudos bien timbrados en su modesto papel.

Si en general debemos de aplaudir el arrojo de producir ópera en nuestra ciudad, todavía nos quedaremos esperando un Elixir redondo pues este último prometía más en su equipo total y francamente no hace olvidar a otras interpretaciones de la siempre fresca obra encantadora de Donizetti.

Fantasía y Pasión: El Genio que le Clavó un Cohete a la Luna en un Ojo

2012-05-02T22:41:00.000-07:00

Son buenos tiempos para Hernán Galindo, el director de teatro regiomontano ha dirigido sus obras “Palenque Rojo” y “El Genio que le clavó un cohete a la luna en un ojo” además de una próxima participación en el “Elixir de Amor” de Gaetano Donizetti como director de escena. Todo esto dentro del marco del ArteFest de San Pedro.

No podemos dejar de pensar que Monterrey sería una ciudad más pobre sin Galindo, su versatilidad nunca demerita su calidad como dramaturgo. Una vez más demuestra que cuando conjunta un buen libro con una buena propuesta el resultado es un éxito como el que aconteció con “El Genio que le clavó un cohete a la luna en un ojo”, melodrama basado en la vida de Georges Meliés, uno de los primeros grandes cineastas de la historia y el primero en utilizar efectos especiales. La vida efervescente y fecunda del director francés es encarnada con maestría por Antonio Craviotto, su actuación es centelleante con raros momentos de reposo. La obra subraya la impetuosa personalidad de Meliés y raramente nos detenemos para ir más a fondo en su personalidad a pesar de la enternecedora despedida a su esposa enferma (esta última interpretada con efectiva discreción).

Momentos de mayor profundidad están dados por Jorge Monterrubio, director novicio de cortometrajes y su novia Andrea Alvarado. Sus escenas poseen una fuerza convincente y sensualidad; por ejemplo cuando surge la fantasía de Eclatant con sensual bodysuit. Monterrubio recrea un personaje calmado, eminentemente subyugado por la personalidad férrea de su novia, de expresiones anguladas.

Otro personaje memorable, que merece un párrafo a parte, fue el Maestro – Mephisto quien bien pudo haberse robado la noche con su actuación subrayada por la sutilidad peligrosa y las explosiones de violencia. La metáfora del formador que tiene que empujar al alumno hasta sus máximas consecuencias sin importar la línea entre la motivación permitida y el abuso.

Lourdes Zambrano, escribiendo para El Norte el pasado 27 de abril opina que “Para alguien que no es amante de la cinematografía (la obra) resultará interesante, pero cansada”. No comparto la misma opinión. “El genio que le clavó un cohete a la luna en un ojo” es una obra que gracias al movimiento escénico y a la efectiva producción de Vicky de la Piedra, que incluye diversas proyecciones de los filmes originales de Meliés, trajes de la Belle Epoque, elementos corpóreos que están relacionados con los filmes de Meliés, jamás cae en la rutina. El juego con los dos planos de la historia; el pasado y el presente, los cambios de vestuario, entrada y salida de personajes, los efectos de sonido, cualquier persona que ame el teatro se encontrará con una memorable oportunidad de disfrutar.

Si la obra es larga es porque Galindo ha realizado un gran trabajo de investigación sobre la vida de Meliés, figuras como la del cineasta francés merecen un vistazo extenso a su vida, que los lleve a la reivindicación. El arte escénico no tiene por qué ser territorio exclusivo de la facilidad.

Palenque Rojo de Hernán Galindo; Drama de guerra y colorido

2012-04-24T22:38:00.003-07:00

Hay experiencias teatrales que sacuden por su intenso drama, hay otras que impresionan por la suma de sus recursos. El drama-ballet “Palenque Rojo” de Hernán Galindo se inscribe en esta segunda categoría.

“Palenque Rojo” es un trabajo que Galindo y el productor chiapaneco Hiram Marina García financiaron en parte gracias al estímulo fiscal del artículo 226 Bis de la LISR (EFITEATRO). Sabemos que Galindo ha tenido una relación creativa muy estrecha con el estado de Chiapas, recordemos por ejemplo su melodrama “Más Bueno que el Pan” que se lleva a cabo en San Cristobal de las Casas.

Es innegable el trabajo riguroso que ha realizado Galindo en torno a la investigación y recreación de la historia de Kan Joy Chitam II, señor de Palenque hacia el 700 de nuestra era. Este es uno de los grandes aciertos de Galindo ya que generalmente el mundo prehispánico nos llega a nosotros a través de ojos ingenuos que no reflejan la riqueza y complejidad del sistema de valores de estas civilizaciones que el día de hoy están considerablemente alejadas de la narrativa actual.

Elementos místicos, cosmológicos e históricos se conjuntan en un escenario selvático respaldado por eficientes proyecciones que adquieren alguna grandeza cuando vemos imágenes de la gran ciudad maya. Sin embargo lo más relevante de la propuesta han sido los magníficos vestuarios; desde aquellos que recrean a los animales de la selva hasta la poderosa guerra entre Toniná y Palenque. Son memorables los vestuarios de los guerreros, coronados por esas espléndidas máscaras prehispánicas de gran tamaño, la vestimenta de la Señora Kawil de Toniná es espléndida en su misterio y se adecua bien a la poderosa interpretación de la actriz quien además, entre tanto vestuario, revela una belleza seductora.

Mi momento favorito es cuando Kan Joy desciende al inframundo, y ahí se encuentra con el tembloroso dios de la muerte Ah Puch. Esta escena ha sido manejada de forma magistral con escaza luz y una marioneta gigante que representa a la muerte y quien parece bailar frenéticamente alrededor de Kan. Es justo reconocer también la actuación de (presumiblemente ya que el programa no es muy claro al respecto) Mario Chambor como Kan. Ha logrado dotar a su personaje de un orgullo que únicamente el descendiente directo de ese magnífico pueblo puede desplegar. Seguramente has adivinado que Palenque Rojo está escrito en maya y esta es precisamente una de sus características más acertadas. En un principio pensé que esta decisión de Galindo nos había alienado de la obra. Pero esta está construida de una forma tan clara que pronto el lenguaje pasó a segundo término, ya no importo siquiera el que los arqueólogos (que sí hablaban el español) no hubieran sido sonorizados con micrófono.

No vamos a encontrar mucha sutileza ni en la música (con instrumentos presumiblemente prehispánicos) los sonidos selváticos, las escenas de guerra y las confrontaciones de los personajes. En la escena final Chambor despliega una sutileza que incluso falta un poco en la escena de amor, previa a su derrota. Esta escena embona de una forma curiosa en el resto de la trama al igual que las breves escenas de los arqueólogos. Estas últimas son un punto de contacto con nuestro mundo pero en el todo me dejan con sentimientos ambiguos. Quizá un breve prólogo con ambos pudieran ayudar a engancharnos desde el principio con la obra.

Hubo quienes salieron del teatro, quizá porque no pudieron hacer contacto con lo que acontecía. Las raíces mayas son un elemento fascinante pero prácticamente ajeno a la gran parte de los mexicanos de hoy (claro está, salvo las comunidades mayas actuales y algunos elementos culturales del sur del país). Todos tenemos un respeto y un sentido de asombro por el patrimonio tangible de los mayas pero sus leyendas y costumbres son remotas a nuestro constructo actual. Precisamente es por eso que quizá necesitábamos una especie de preámbulo. Pensé que quizá una alternativa era incluir supratitulaje en español. La obra tiene el acierto de que poco a poco nos va capturando pero esa captura tiene sus resistencias; la violencia histórica y mística son predominantes y el lado amoros de Kan queda oculto entre poderosas paredes de piedra.

Nuestro conjunto de subculturas que es el México de hoy está constituido por elementos diversos, disímbolos en ocasiones. Esa complejidad se refleja en la riqueza cultural de nuestro país. Hernán Galindo nos ha abierto una puerta hacia el intrigante mundo legendario de los mayas. Por ello “Palenque Rojo” es un trabajo relevante, el cual muestra una de las vertientes posibles del teatro actual mexicano.

El de la Triste Figura; Ignacio López Tarso, hechiza como Don Quijote

2012-04-24T18:16:00.001-07:00

El teatro sigue siendo un lugar especial donde las noches mágicas se dan. Todavía más relevante cuando se cuenta con una de las glorias de la actuación mexicana en la figura de Ignacio López Tarso. El legendario actor capitalino mostró una energía mercurial que hace que sus 87 años de vida parezcan mentira. Caminando lento pero fluido, con larga y espesa barba blanca, inconfundible cabellera; conquistó al público no por ser quien es sino por esa maestría de oficio, ese compromiso con los clásicos. Nos presentó a un Don Quijote que se transfiguró ante nuestros ojos, nos hizo reír, nos conmovió, nos hizo derramar lágrimas.

“El de la triste figura” es un buen ejemplo del mejor teatro de atril. Contar con un elenco pequeño de calidad como el que encabezó el gran histrión junto con su hijo Juan Ignacio Aranda, quien, no menos importante, desplegó un tour de force encarnando a varios personajes del mundo cervantino incluyendo al rústico escudero Sancho Panza. Gabriela Pérez Negrete lució bella y natural en el escenario como la narradora y algunos personajes deliciosos como el Trucumán. Acompañó en la guitarra Guillermo González Phillips realizando algunos interludios excepcionales con música y canciones del renacimiento español.

No requerimos de escenografía, tan solo algunos sutiles cambios de luz, el movimiento sugerido de los actores, los gestos, la dicción clara y la caracterización. La producción mostró un sonido limpio así como el empleo efectivo del hielo seco para la escena de la procesión fúnebre.

La obra, adaptación del director Javier Orozco y del propio Juan Ignacio Aranda utiliza diálogos originales de Cervantes, compacta de forma efectiva la acción e introduce los pequeñas narrativas que puntualizan con buen gusto la escena. En cierta forma la propuesta se acerca a la obra didáctica pues no sólo tenemos la reflexión de esa gran obra de la nostalgia que es Don Quijote de la Mancha sino que el disfrute tendrá a llevarnos de nueva cuenta a dar un vistazo a la obra original. Esto queda implícito y explícito en la narración.

A momentos de gran comicidad como la escena de las ovejas y carneros así como la desgracia que le acontece al titiritero Maese Pedro cuando Don Quijote confunde el teatro con la realidad, tenemos también el patetismo humano del pobre caballero. El momento cumbre, a mi entender, fue la escena de la carta a Dulcinea por la poesía del texto, la calidez del trabajo de López Tarso, nos identificamos con esos destellos de lucidez del caballero de la triste figura, los cuales poseen mayor profundidad que el resto de los personajes “cuerdos”; ¿Por qué Don Quijote no tendría la libertad de ver con sus galantes ojos a Dulcinea del Toboso? Sancho Panza aprende una lección que aquellos que se burlan son incapaces de penetrar.

“El de la triste figura” es un un divertimento que provoca el reenamoramiento con la humanidad, la alegría de estar vivos, la oportunidad de reflexionar en torno a lo risible de algunos aspectos de nuestra vida diaria, la oportunidad de reconquistar las cosas que valen la pena de nuestra existencia. Esa es la magia de Cervantes y esa es la magia de ese señor actor Ignacio López Tarso, el cual hace que nos avergoncemos del teatro fácil y comercial que pulula actualmente nuestras salas.

¿El Efecto Dvorak?

2012-03-19T23:02:00.002-07:00

Con el reciente nacimiento de mi segundo hijo, me puse a pensar en algunas similitudes con mi nacimiento, según las recolecciones de mi mamá. Soy melómano, devorador de la música clásica, desde que tenía mi gramófono de lp. Entre los discos que recuerdo escuchaba yo con asiduidad estaban las cuatro estaciones de Vivaldi en versión de Karl Munchinger, la 5ª Sinfonía de Beethoven con la Filarmónica de Berlin y Wilhelm Furtwangler, la 9ª Sinfonía de Dvorak y la Obertura Carnaval en versiones de Joseph Keilberth, el Bolero de Ravel y las oberturas El Corsario y Benvenuto Cellini con la Orquesta de Conciertos del Conservatorio de Paris bajo la batuta de Charles Munch, las Oberturas de Rossini con Willem van Oterloo, diversos conciertos para violín de Paganini, Brahms, Mendelssohn, Contradanzas de Mozart, sinfonías de Mozart, Conciertos de Brandenburgo de Bach, Sinfonía de los juguetes de Leopold Mozart y Valses de Strauss con Boskovsky, por mencionar algo de lo que tengo más fresco. Desde entonces mi gusto ha sido omnívoro. Varios compositores que hoy considero entre mis favoritos los descubrí y aprendí a querer en mi niñez; Beethoven, Mozart, Dvorak, Ravel, Berlioz, Rossini, Mendelssohn.

A partir de mis diez años comencé a coleccionar cassettes asiduamente ya que eran más durables que los lp. A través de ellos descubrí otras grandes obras maestras y fui incorporando nuevos compositores a mis listados de favoritos; Rimsky-Korsakov, Saint-Saëns, Tchaikovsky, Haydn, Franck, Schubert, Smetana, etc.

¿Qué detonó esta pasión? No lo sé, pueden ser diversos factores sin duda. Recuerdo que mi papá tenía una excelente colección de acetatos principalmente de la Deutsche Grammophon y Decca con grandes directores bien representados como es el caso de Karajan, Bohm, Jochum, Giulini, Kleiber, Ozawa, Previn, Maazel, por mencionar algunos. Sus gustos principales en el campo de la música clásica se iban hacia Europa Central y su tradición romántica. Recuerdo que sus favoritos siempre habían sido Brahms y Dvorak con algunas obras de Schumann como la Sinfonía Renana.

Dice mi mamá que durante su embarazo escuchaban música clásica a todo volumen en casa de unos amigos; los Saltzman, quienes poseían un equipo espectacular. Recuerda ella sobretodo la sinfonía del nuevo mundo de Dvorak y cómo me movía en su vientre. Tal parece que el compositor checo fue un detonante importante de esta pasión.

Regresando ahora al comienzo de esta entrada me encuentro con la peculiaridad de que ya dentro del quirófano, en el inicio de la cesárea, los doctores sabiendo de mis gustos musicales y empujados por mi esposa, decidieron poner música clásica para retarme. Los excelentes galenos Francisco Lozano Lee y Alejandro Calanda de la Lastra me comentaron que si adivinaba lo que estaba puesto me regalaban su intervención (lo cual fue protestado por el anestesiólogo), sabían de mi fama pero creo yo que quedaron algo sorprendidos. Cual fue mi sorpresa al darme cuenta que lo que estábamos escuchando era Antonin Dvorak y no era algo de su ABC sino el poema sinfónico la Bruja del Mediodía que comienza con un pasaje pastoral de gran lirismo, que representa un bello día en una aldea checa, francamente es uno de los grandes trabajos del autor (desafortunadamente algo subvaluados) junto con los otros tres poemas sinfónicos que conforman ese ciclo de cuatro basados en cuentos checos.

Posteriormente escuchamos algo de J.S. Bach, algún movimiento de una de sus partitas para clavecín en versión de piano. Los doctores, sabiamente, decidieron no hacer válido su ardid inicial. Pero lo que me ha dejado pensando es la coincidencia Dvorakiana y el posible efecto que pueda tener sobre mi hijo. Ya lo veremos. Estoy convencido que no sólo existe el efecto Mozart sino que también por ahí está Beethoven (una de las obras que mi otro hijo cantaba antes de saber hablar era el final de la sinfonía Heroica de Beethoven), Rossini, Haydn y ¿Por qué no? Dvorak. La calidad melódica parece ser uno de los elementos de atracción en los bebés y Dvorak posee algunos de los temas más memorables. Sin lugar a duda el maestro checo es una de esas figuras geniales que mientras más pasa el tiempo agigantan su lugar en la historia.

Misery de Simon Moore en Monterrey: Propuesta sostenida por los actores

2012-01-28T22:36:00.001-08:00

Misery, adaptación teatral del guionista británico Simon Moore, es un producto hibrido que no puede hacernos olvidar el filme de Rob Reiner ni tampoco ocultar que el origen literario no es precisamente una gran obra. Sería injusto, por otro lado, no reconocer que la trama es efectiva; posee momentos de suspenso y tensión que solamente un autor con colmillo dramático es capaz de concebir.

La dirección de Antonio Castro con diseño escenográfico de Gloria Carrasco y el vestuario de Teresa Alvarado es efectiva sin lograr mantener la tensión a lo largo de la velada. Quizá parte del problema es que la adaptación de Oscar Ortiz de Pinedo apela al teatro efectista cuando a través de efectos más sutiles se pudo tener un producto más convincente. En primer lugar no entiendo porqué no se traslado la historia a un contexto nacional. Las referencias a Colorado y los nombres anglófonos contrastaban con el acento chilango de los protagonistas. Esto provocaba un ligero efecto involuntario de comicidad. Quizá el tipo de historia no se ve plausible en nuestro contexto pero un poco más de cerebro habría resuelto efectivamente algunos de los problemas; el hecho que una mujer viva sola en un poblado por ejemplo o el hecho que un escritor pueda tener “fans” tan dedicados, algo que en un país tan librofóbico como el nuestro cuesta comprender.

La concepción de Antonio Castro fue efectiva pero falló a momentos con el texto. Un drama concentrado no puede remitirse frecuentemente a momentos de comedia. El énfasis de Damián Alcazar en algunas líneas irónicas que pudieron haber funcionado mejor al decirse con naturalidad, por ejemplo. Tal parece que el público de hoy ya no concibe el teatro si no tiene momentos cómicos de reposo. Una escena que podría ser mucho más aterradora como el comprobar que los gabinetes de la cocina de Annie Wilkes están plagados de retratos mutilados de Paul Sheldon se convierte en un momento que causa risa. Ciertamente Misery posee ironía pero sigue siendo, al fin de cuentas, una trama oscura. Los momentos mejor conseguidos de la dirección de Castro son cuando ambos personajes dialogan sobre la obra de Sheldon o cuando Annie Wilkes en un momento depresivo, formidablemente actuado por Itati Cantoral, narra entrecortadamente su pasado; el único punto de empatía que Wilkes tiene con el público. La escena de la amputación de la pierna es efectiva haciendo un homenaje al género “gore” pero me parece excesiva; En el filme es mucho más efectivo en su crudeza; el rompimiento de las piernas con el martillo, algo menos sangriento.

Los cambios de perspectiva de la habitación de Sheldon funcionaron para proporcionar mejores planos expresivos a los actores además de la posibilidad de permitir un mejor desplazamiento de Sheldon cuando este finalmente puede usar su silla de ruedas.

Pero una trama que no posee grandes elementos reflexivos o intelectuales debe de sostenerse con sus actores y aquí es donde Misery finalmente convence. Itati Cantoral hace un tour de force, su Annie ha sido bien pensada y trabajada en su fisionomía. Sus discursos torpes, a veces inconexos. Sus arrebatos de ira o su hundimiento en la depresión son de nota. Desde el inicio sabemos que hay algo desequilibrado con Annie Wilke aunque su desmoronamiento psicológico es gradual.

Por otro lado Damián Alcazar conmueve en los momentos de mayor vulnerabilidad. Pero aún así y aceptando que es un actor de gran carisma y maestría, no nos llega a convencer del todo en su trabajo con Cantoral; Ha decidido subrayar los rasgos sumisos y vulnerables de Sheldon, por lo tanto el estrangulamiento de Wilkes carece de violencia. No creemos que alguien tan dócil vaya a poder enfrentarse a esa Medea que es Wilkes. Es cierto que para no tener movilidad en la mayor parte de la obra, Alcazar logra un personaje plausible pero un poco domesticado en una obra donde las confrontaciones lo son todo. A pesar de las reservas que antes expuse sobre la comedia, demasiado subrayada de la trama, Misery funciona como una noche teatral entretenida a cargo de dos estrellas en gran nivel.

El jorobado del pueblo

2011-12-22T18:11:00.000-08:00

Estimado lector; desde hace diez años escribo artículos, reseñas musicales y operísticas, algo de crítica teatral y todo lo que puedes encontrar en mi blog. Pero te confieso que desde hace un tiempo he estado escribiendo cuentos (y actualmente obras de teatro) es un placer personal el cual pretendo gradualmente cultivar con mayor dedicación (en la medida que siga creciendo y esto sea mejor recibido). Quisiera compartirte uno de mis cuentos breves recientes. Espero sea de tu agrado. Con mucho gusto se aceptan observaciones y comentarios en gruta@trofonio.com o en el espacio de comentarios de la entrada.

El jorobadito ahí estaba, recargado como siempre, en una columna del portal. Hacía sonar sus maracas con un ritmo preciso e insistente, como si jugara con las rachas de viento de la tarde arremolinadas en la plaza del viejo pueblo. Caía la tarde, rosada y amarga. Los peatones iban y venían sin prestar atención a Onofrio. Pero éste no perdía el entusiasmo y por el contrario tocaba más fuerte su instrumento ante las muestras de indiferencia.

-Unos pesos, señorita, ándele, qué le cuesta. Ayude a este jorobado alejado de la mano de Dios. Oiga, señor, ¿no me da una ayudita?

Pero Onofrio, con su giba parda que se asomaba por entre la amarillenta camisa, no causaba compasión, más bien repugnancia. Su sonrisa desdentada y rostro macilento contrastaban con la oscuridad de su protuberancia y los transeúntes lo evitaban invariablemente. De vez en cuando un alma bondadosa extendía con cierta cautela unas monedas tratando de no tocar ni un milímetro de la piel del desgraciado. Así pasaban los días, sin importar que fuera martes, jueves o domingo.

Nadie sabía de donde venía ni donde vivía. Parecía que habitaba en el portal. Se le veía en ocasiones hasta altas horas de la noche caminando por aquí o dormitando en un rincón. Aún así la estampa usual de Onofrio era su concierto junto a la columna. Alguno recordaba una tarde lluviosa coronada por relámpagos, con el jorobado inmutable sonando sus maracas mientras los pueblerinos iban y venían despavoridos tratando de evitar la llovizna. Varios que se habían refugiado en los portales escucharon la obstinada percusión que resueltamente formaba un contrapunto con el patrón rítmico de la lluvia. Pero el encanto hipnótico de la música no fue suficiente para que Onofrio consiguiera unas monedas.

-Lástima, ha sido mi mejor concierto.

Una pequeña de ojos entornados, coletas y vestido azul, se acercó al jorobado y con una sonrisa extendió su mano para darle un billete.

-Vámonos, Macaria ya bajó la lluvia.

-Espérate mamá.

-¿Cuál espérate? Ándele.

Con el estirón de la madre el billete de la niña se resbaló de su mano voló con rápida elegancia y cayó por un alcantarillado.

-Lo siento, señor…

-No se preocupe, niña, ya será otro día.

Pero ese otro día no llegaba y Onofrio se veía raquítico. Cada vez hurgaba con más frecuencia los botes de basura.

-Tengo que hacer otra cosa. Las sobras están muy jodidas y me duelen las tripas, se me ponen tiesas. Pero ya sé lo que hay que hacer. Dios me perdone y nuestro buen santo señor Atanasio. Ya lo han dicho, Ayúdate que Dios te ayuda.

Así, una mañana Onofrio se encontraba recargado sobre su columna, maracas en mano. Pasaron un par de transeúntes muy apurados, pero el jorobado ni se inmutó. Siguió haciendo sus ritmos como si nada.

Al mediodía el portal estaba en ebullición; transeúntes, vendedores, ociosos leyendo el periódico, boleros y matronas escandalosas. El jorobado se sonrió con cierta malicia al ver a la mujer del alcalde caminando altiva con su sirvienta y su mozo, agitó sus maracas. La mujer cargaba su bolsa imitación Vuitton ignorando a la gente que pasaba a su lado. Se detuvo a imprecar a la sirvienta que se había detenido a ver un puesto de alhajas. Finalmente el grupo reemprendió el paso y se aproximó a la columna del jorobado. Onofrio esperó hasta tener a la mujer frente a él. Su pie hizo contacto con el tobillo de la primera dama y esta trastabilló hacia fuera del portal terminando de bruces en los terrosos adoquines de la calle. El mozo, como impulsado por un resorte la ayudó a levantarse con cierto apuro. Quedó empanizada como milanesa al igual que su bolsa. La gente estaba deleitada. Comenzaron a escucharse risas a lo largo del portal. La sirvienta no se pudo contener.

¡No me toques imbécil! (Trató de quitarse la tierra del vestido con unas palmadas) ¡Vámonos a la casa! ¡Ustedes de que se ríen! ¿Y tú estúpida? ¡Agarra la bolsa!

La mujer miró con desdén al jorobado.

-¡Engendro! ¡No te muevas de tu columna!

Salió caminando a gran velocidad seguida por sus servidores. Primero fue el boticario y después el lechero. Don Epifanio el de las flores y Doña Eulalia la tamalera también aplaudieron. En sólo unos segundos estalló una ovación para Onofrio. Instintivamente se acercaron a su recipiente y comenzaron a hacer fila para dejar caer monedas y hasta billetes.

“A huevo que hoy voy a la fonda de Don Temo. Con el favor de San Atanasio será la primera de varias.”

De lectura y políticos

2011-12-10T10:54:00.001-08:00

Desafortunadamente es una historia que es repetida por innumerables actores de nuestra política y, peor aún, un reflejo del común denominador de nuestro país. Mejor ejemplo de un círculo vicioso no lo tendremos en mucho tiempo; por un lado está Enrique Peña Nieto, candidato del PRI a la presidencia de la república (dejémonos de tonterías con que si todavía es pre, su carrera comenzó mucho tiempo atrás al amparo de las televisoras), por el otro está un sector amplio de la ciudadanía seducido, no por las propuestas ni mucho menos por su libro “Por un Acuerdo Nacional para impulsar el desarrollo”, donde el nouveau caudillo ha instruido a otros vaciar su propuesta de gobierno (¡Que bajo ha caído la creación de libros, ahora hasta los que no leen escriben!). No, ese voto está condicionado por la presencia y físico telenovelero del candidato.

Hace tiempo pensé que México había tenido una gran lección con lo acontecido en Nuevo León; Se eligió a un gobernador con una trayectoria discreta, insuficiente, con una educación promedio, estudios en el extranjero en entredicho (nunca se terminó por esclarecer ese asunto) cobijado por un aparato portentoso de acarreos y cargadas además de una imagen mediática carismática fabricada (Recordemos la megalomanía del actual gobernador "dirigiéndose al público" desde la cima del faro del comercio) y una buena presencia física. Hoy no estoy tan seguro puesto que las cosas se van estructurando por la misma vía con Enrique Peña Nieto; la maquinaria a su alrededor supera en mucho al producto final.

Sucesos como la terrible pifia literaria de Enrique Peña Nieto en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara han servido para ir desenmascarando a esta especie de Tartufo. Aquellos que busquen algún dejo de substancia no la encontrarán. Tal parece que al propio candidato le tiene sin cuidado este hecho; No procuró documentarse para lo que posiblemente le podía acontecer en una Feria Internacional del Libro. Poco a poco ha demostrado que cuando las preguntas se apartan de líneas comunes patina. Yo no sé qué tipo de mandatario podemos esperar de alguien que no puede nombrar siquiera convincentemente tres libros que haya leído, y para mi este es el fondo de la cuestión.

El lapsus de “La Silla del Águila” habría pasado si las otras dos respuestas de Peña Nieto no hubieran sido tan desafortunadas. Si “La Silla del Águila” (con o sin Carlos Fuentes) se hubiera flanqueado de “Pedro Páramo” y “Rayuela” hoy no estaríamos dedicando un espacio de reflexión a este tema. Pero cuando se titubea sobre la Biblia; “La biblia en algún momento de mi vida… no me leí toda la Biblia, pero sí algunas partes de la Biblia” las cosas están mal. Seguramente por piedad no le preguntaron cual de los libros que componen el viejo o nuevo testamento es su favorito. Responder la Biblia es apelar al lugar común y lograr el efecto en un país cristiano hasta el tuétano. Pero su tercera respuesta fue penosa; “hay otro de él mismo (Enríque Krauze ha quien erróneamente le adjudicó “La Silla del Águla”) que quiero recordar el nombre sobre caudillos”. Esta última respuesta arroja una incipiente disciplina lectora de parte del candidato del PRI. Recordar tres libros no es difícil. Tres autores. Tres textos. Si Peña Nieto nos deja con varias dudas sus asesores cayeron en el ridículo.

Lo ocurrido en la FIL de Guadalajara, desafortunadamente, es una muestra de la realidad mexicana actual. No me sorprende puesto que también lo he visto en la universidad; “No leo porqué no me interesa” “El último libro que leí fue “Por qué los hombres aman a las cabronas” “Mi libro favorito es Crepúsculo”. Esas son las realidades de un México dañado en su estructura educativa. No nos sorprenda que diversos productos de esta estructura ascienden hacia grandes puestos sin la preparación universal indispensable. Enríque Peña Nieto es pues, un producto característico del sistema mexicano actual en donde la apariencia y el relumbrón valen más que la substancia. Que podamos separar el oro del oropel sería tarea de la ciudadanía pero ¿Tenemos la preparación indispensable para llevar a cabo una vida democrática sana? La respuesta produce desasosiego.

EPÍLOGO

Me inquieta también una última cuestión; Prontamente ciudadanos enfadados (y varios actores políticos) salieron a las redes sociales a rasgarse las vestiduras. Dudo que Enrique Peña Nieto sea el único no lector en un país de no lectores. Es probable que muchos de los que han reaccionado con chistes y bromas no tengan buenos hábitos de lectura. Eso me recuerda una de las grandes lecciones de la Biblia; “El que esté libre de pecado que tire la primera piedra”. Vergonzoso, si, pero que el exterior no nos haga apartar la vista del fondo.

Ciertamente leer es un trabajo personal. La lectura por si misma no nos hace mejores o peores personas. He ahí la clave que nos comparte Harold Bloom en su magnífico libro "Cómo leer y por qué" (el cual sería un excelente regalo a los candidatos presidenciales actuales). Hay que leer para satisfacer aquello que está próximo a nosotros, aquello que nos puede ser útil. En pocas palabras leer nos debería de provocar la reflexión, para posteriormente incorporar su resultado a lo cotidiano.

Eric Steinman: In Memoriam

2011-11-27T22:32:00.000-08:00

En esta ciudad de diversos cartuchos culturales quemados, la labor incansable de Eric Steinman como promotor del arte lírico constituyó una tarea de amor sin concesiones a la mediocre visión cultural actual. Parece hoy difícil de creer que alguien haya podido unir a diversos miembros de la comunidad operística durante la década de los 90’s y brindarle a la ciudad oxígeno operístico en un momento en donde ya había concluido la malograda Compañía de Ópera de Monterrey.

Si bien sería injusto considerarlo el único actor del proceso que llevó a la ciudad a fines de los 90’s y durante los 2000 a aterrizar proyectos y propuestas de mayor escala, Steinman contribuyó a mantener viva la llama y la pasión por la ópera. Prácticamente todos los artistas operísticos de nombre de la ciudad cantaron o colaboraron con él de alguna u otra forma.

Steinman nos ha dejado prematuramente, pero la parte medular de su legado ya había sido realizada. Es triste dejar atrás una época pero estoy seguro que el trabajo de Steinman quedó en tierra fértil.

Hombre apasionado, proclive a los arrebatos, dotado del conocimiento operístico y de repertorio más amplio de su tiempo entre los directores musicales o repasadores de la ciudad, Steinman también era un conversador animado y divertido. Recuerdo cuando en una entrevista en radio que le realizamos Gabriel Rangel y yo se le salió “esa mierda” refiriéndose a una crítica que consideraba injusta departe de Alejandro Fernández.

Su trabajo tenaz de promoción de la ópera y elevar sus estándares en la ciudad lo llevó a involucrarse en proyectos como el anillo de los nibelungos para niños, la creación de un sello discográfico doméstico con grabaciones procedentes de cintas de las funciones al aire del MET.

Recuerdo su sonrisa orgullosa cuando recordaba a sus divas del alma; Montserrat Caballé, Leontyne Price, Joan Sutherland, Martina Arroyo, entre otras. Las diversas anécdotas como aquella cuando Galina Vishnevskaya hacía su debut en Estados Unidos y molesta con la orquesta comenzó a marcarle el tiempo airadamente con un bastón al director Alberto Erede.

Egresado de Julliard y la Universidad de Nueva York, Eric Steinman realizó su debut como pianista y director musical en una ópera moderna de Tom Johnson. Como muchos extranjeros que llegaron a enriquecer nuestro país, hubo algún tipo de enamoramiento de Eric con Monterrey. Amor apasionado pues no dudaba también en levantar la voz cuando las políticas culturales, oportunidades, visión artística, no estaban a la altura. Fue fundador y director de la Ópera Metropolitana de Monterrey y posteriormente lideró los proyectos operísticos de Pro Cultura. Después de una temporada liderando el proyecto operístico en Culiacán Sinaloa, Steinman regresó a Monterrey, ciudad que hoy lo llora.

En los homenajes espontáneos de sus amigos y colegas queda demostrado el reconocimiento a una trayectoria entregada y sin la cual seríamos mucho más pobres el día de hoy.

Eric, dondequiera que estés estoy seguro que tendrás a Joan Sutherland muy cerca.

El Señor de la Opera : Plácido Domingo a sus 70

2011-11-02T12:11:00.000-07:00

El 19 de octubre de 1961 un joven tenor promesa, de apenas veinte años, realizaba su debut como cantante principal en la ópera de Monterrey. Si, esta ciudad nuestra, semimuerta de ópera, fue testigo del comienzo de una carrera excepcional que todavía se mantiene en los grandes escenarios.

Nacido un 21 de enero de 1941 en Madrid, Plácido Domingo pronto se acercó al arte vocal. Sus padres Plácido Domingo Ferrer y Pepita Embil eran distinguidos cantantes de zarzuela. En 1948 la familia Domingo emigró a México donde formaron su exitosa compañía de zarzuela. El joven Plácido aprendió canto de sus padres pero también le atrajo el piano. Una vez que ingresó en el Conservatorio Nacional de Música de México Domingo cursó estudios de solfeo, armonía y composición. Asistió como oyente a las clases de director de orquesta del gran Igor Markevitch que por ese entonces residía en México.

En 1958 que Domingo sufre un acontecimiento que marca el resto de su carrera. Se presenta a una audición como barítono para la Ópera Nacional de México. El jurado fue categórico “Tienes talento, pero en realidad eres tenor”. Placido les canta a primera vista “Amor ti vieta” de la ópera Fedora de Giordano. Inmediatamente obtiene su primer contrato como comprimario. Así debutó un 17 de mayo de 1959 cantando el papel de Borsa en el “Rigoletto” de Verdi. Pronto aprende y comparte escenario con figuras de la talla de Cornell MacNeil, Giuseppe di Stefano, Manuel Ausensi e Irma González.

Tras su debut en Monterrey Domingo canta en algunos escenarios de Estados Unidos al lado de artistas como Joan Sutherland, Ettore Bastianini y la legendaria Lily Pons (quien se retiró de los escenarios cantando la Lucia di Lammermoor al lado de Plácido).

El momento definitivo en su preparación de cantante llega en 1962 cuando, después de casarse con su esposa Marta Ornelas, parte a Israel por dos años con contrato para la Ópera Hebrea de Tel Aviv. Ahí solidifica una técnica excepcional, generosa en respiración, cuidadoso fraseo y amplio volumen. Después de eso vino Nueva York y de ahí Hamburgo, Viena y finalmente su consagración en 1967 en el Met de Nueva York cantando Maurizio en la ópera “Adriana Lecouvreur” de Francesco Cilea, su contraparte fue Renata Tebaldi.

Entre los papeles que Domingo considera cumbres en su carrera se encuentran Hoffman (Offenbach), Des Grieux (Puccini), Cavaradossi (Puccini), Alvaro (Verdi), Samson (Saint-Saëns), Otello (Verdi), Siegmund (Wagner), Enee (Berlioz) y Hermann (Tchaikovky).

Domingo posee una voz genuina de tenor lírico-spinto; un centro amplio, color marrón (“se parece al chocolate” dice Domingo en el fascinante libro recopilado por Elena Matheopoulos). La voz en sus mejores momentos poseía una ductilidad que le permitía cantar una serie de papeles que a veces son incompatibles para otros tipos de tenor. Alrededor de 120 papeles ha cantado desde el Danilo de “La Viuda Alegre” de Lehar hasta el Bajazet del “Tamerlano” de Handel. Su carrera ha ido menguando en los últimos años y ahora parece revertirse, sin demasiado éxito, a su cuerda inicial de barítono.

Quizá la sobreexposición de Domingo en registros de audio y video ha ocasionado que demos por sentado su arte y esto es injusto para evaluar a este artista que ha dejado huella no sólo como el gran cantante que es, sino también en la dirección de orquesta y en su generosidad para el impulso de otros artistas; ahí está su concurso de ópera “Operalia”, su trabajo como director de las Óperas de Washington (el cual concluye en la temporada 2010 – 2011) y Los Ángeles. Ahí está su solidaridad con los damnificados del terremoto de México de 1985. Su valentía para luchar contra su cáncer de colon (hoy aparentemente superado).

Si hay algo que no se le dio fácil a Domingo fue su registro agudo. En este sentido el mejor Domingo está representado en sus grabaciones de los 60’s 70’s y 80s. Escuchamos una voz plena, redonda, con un registro agudo sonoro hasta un si. El do sobreagudo, prácticamente su nota más alta, se escuchaba tirante y en varias ocasiones parecía a punto de cortarse, pero tampoco lo evitaba si había que cantarlo, era muy consciente de la tradición del canto italiano. Con el tiempo su registro medio se oscureció y perdió la flexibilidad superior que se puede escuchar en algunos de sus mejores registros; Trovatore o Pagliacci (RCA), Ballo in Maschera, Aida, Don Carlo (EMI), Contes d’Hoffman (DECCA u ORFEO), Carmen (DECCA o DG), Oberon, Fanciulla (DG) Giuramento (Orfeo), Otello (ORFEO o RCA).

He tenido el privilegio de escuchar a Placido Domingo en vivo en dos ocasiones. La primera en ese circo romano que fue el concierto de los dos tenores y medio en Monterrey (Carreras en declive, Alejandro Fernández haciendo lo que sabe y Pavarotti cancelando por su ya grave enfermedad final) en donde pudimos apreciar su versatilidad y elocuencia con el micrófono. Pero en el 2008 tuve el privilegio de escucharlo como se debe cantando el Siegmund de Wagner en el Liceu de Barcelona, en aquella ocasión consigné “Seamos honestos, Domingo es un milagro vocal, se ha dicho esto muchas veces y yo no tengo inconveniente en reescribirlo. Su Siegmund es de antología por la belleza vocal, el timbre mediterráneo chocolate claro mantiene ese centro firme. Su fraseo ejemplar solo ocasionalmente denota el paso de los años en alguna nota inestable o mal soportada, esto último son peccata minuta” Recibió aplausos de más de 5 minutos de duración. Hay algo magnético en Domingo.

Transcurridos 70 años de vida solo nos resta encontrarnos con su legado y sumarnos al coro de felicitaciones. Gracias Plácido por tu arte, gracias por tu empeño en defender este género, porque tu gran contribución ha dado más brios a la ópera que surge como gran escollo del mar bravío.

Callas y la Norma de Vincenzo Bellini

2011-10-31T16:58:00.000-07:00

Así como varios conocedores y amantes de la ópera no podemos dejar de asociar el rol de Lucia di Lammermoor con Joan Sutherland (con perdón de los callistas), tampoco podemos dejar de reconocer la creación insuperable que Maria Callas ha realizado de la Norma de Bellini. En esta ópera no son suficientes la vulnerabilidad o el canto perfecto; Norma es un personaje intenso, al rojo vivo, cuyas sutilezas ocupan un segundo plano con respecto al carácter dramático.

Quisiera compartirles algunas reflexiones sobre el segundo registro que Maria Callas hiciera de Norma en estudio (para EMI). Nos encontramos con una Callas en gran control dramático del papel, no siempre de medios vocales. Contrastándolo con su primer registro, este segundo gana en cuanto a dominio total de las posibilidades dramáticas y expresivas del difícil papel. Además, el reparto de este segundo registro es ejemplar en cuanto a voz por voz si lo contrastamos con su primer intento donde apenas contaba con un adecuado Pollione de Mario Fillipeschi y una dramática pero algo declinante Ebe Stignani.

Callas aunque se encuentra bien en el registro medio y grave tiende a perder firmeza en los agudos. Usualmente escuchamos una musicalidad escrupulosa y una entonación ejemplar, incluso en los agudos, pero al sostenerlos el vibrato es tan laxo que incluso tiende a variar una nota completa en los intervalos. Por supuesto que compensa los problemas vocales con la caracterización. Sin embargo hay por lo menos uno que otro momento que quizá hubiera sido más impactante con una mayor fiereza vocal.

Pienso, por ejemplo, en el "vanne orsu mi lascia indegno" en donde le falta esa furia que usualmente sabe mostrar en algunas de sus mejores creaciones como Medea, Gioconda, Tosca o Carmen (en disco).

El resto del reparto es de primera por un lado y cumplidor del otro. Franco Corelli es un Pollione heroico que canta en el mejor estilo posible para él. Nunca trata de hacer una lectura verdiana de su rol sino que incluso a momentos se percibe esa elegancia, característica inconfundible de la línea Belliniana. Es un modelo de Polliones, ideal en tamaño de voz con respecto a el inadecuado Pavarotti y un punto más sutil que Del Monaco, un verdadero general romano.

Christa Luwig está entre lo soberbio y lo cumplidor; Por supuesto sus medios vocales son siempre de primer nivel, sin embargo su caracterización se queda en el boceto de Adalgisa (el segundo papel de importancia de esta obra) La voz amplia, se escucha juvenil y redonda de emisión, canta con un gran cuidado pero este se vuelve excesivo en donde esperaríamos un poco más de fuerza (recordemos que aprendió el papel para esta grabación). En muchas ocasiones queda en el lado sobrio del canto.

Nicola Zaccaria es lo cumplidor. Con una voz que a medida que la escucho más me parece la de un bajo-barítono, no carente de matices interesantes pero con un registro grave de poco peso y resonancia y un vibrato siempre característico.

La dirección de Tullio Serafin es de lo mejor, un gran Belliniano que logra recuperar de la partitura esa elegancia clásica. La partitura está llena de expresividad sin llegar al verismo. Aquí se muestra al gran director que era, incluso los recitativos los trata con un gran cariño de fraseo. Batuta excelsa en pocas palabras. El único pero es que la partitura recibió los cortes tradicionales de los 1950's. En este sentido la primera de Sutherland de los 1960's sobrepasa en texto empleado a la de Callas.

En suma esta grabación es indispensable para los fanáticos de Callas y una Norma atractiva para los aficionados de la ópera o curiosos de lo que Callas podía hacer con este papel. Por su conjunto total estaría en las primeras opciones de estudio (muy pocas por cierto) de esta obra, probablemente no en la cima sin embargo lo mejor es irresistible.

Poesía y Carácter: Paul Badura-Skoda en Monterrey

2011-10-19T11:13:00.000-07:00

El 18 de octubre del presente tuvimos uno de los grandes regalos que los melómanos hemos recibido en mucho tiempo; la presentación del legendario Paul Badura-Skoda (1927-) dentro del Festival de Piano Sala Beethoven, trabajo ejemplar de nuestro incansable amigo Jorge Gallegos.

Si comparamos el arte del maestro vienés, en contraste con el pianista armenio Karen Hakobyan que interpretó hace unos días el primer concierto para piano de Tchaikovsky con la OSUANL , notaremos la diferencia de trabajar repertorio toda una vida. Además de que en el caso de Badura-Skoda estamos hablando de un talento de primera línea. Por más que el crítico “regular” de la ciudad haya alabado al armenio no puedo dejar de pensar que esto se debe más a factores extra musicales. Quizá después de ayer pueda revisar sus opiniones.

La claridad de la digitación, la vehemencia de ciertos pasajes, el impecable estilo para interpretar a Bach y Mozart, el virtuosismo remanente de una gran carrera. Todos estos elementos construyeron un tapiz musical que me llevó casi hasta las lágrimas. La mejor música tiene ese raro poder de infundir la felicidad etérea, alejada de lo prosaico. Es cierto que todo gran arte como una pintura o una fotografía pueden conjurar esta magia pero la música afecta ciertos elementos físico-psicológicos que lo dejan a uno pleno de Dios.

El quehacer de Badura-Skoda mostró sabiduría desde la Partita #1 BWV 825 de Bach. Hay que destacar el equilibrio de las voces, la solución completa de los problemas técnicos, el pulso firme y la digitación tersa. Fueron irresistibles la elegancia de los minuetos y la gravedad concentrada de la Sarabande. Un Bach perfecto en donde no encontramos trazo alguno de abuso romántico, lo cual nos recuerda que Badura-Skoda ha interpretado también instrumentos históricos.

Mozart, otro de los compositores favoritos del vienés, fue representado por una potente Fantasía K 397 y una formidable Sonata en la menor K 310, una de las obras con dejos de borrasca que compuso el genio de Salzburgo. Badura-Skoda optó por una lectura expansiva, concentrada con un movimiento Andante cantabile que se convirtió en el corazón de la obra; gallardo, respetando el encanto del refinamiento mozartiano. Alguna desigualdad en las escalas de los movimientos externos fue un pecado insignificante. Badura-Skoda ha ido y venido, es un maestro que puede hacer lo que le plazca.

La primera parte concluyó con un par de Impromptus de Schubert. La lectura fue otro de los grandes momentos de la noche. Solamente los grandes pianistas han podido aliar la candidez de Schubert con corrientes oscuras de la música como es el caso del célebre Op. 90 No2. De nueva cuenta quedamos atrapados por lo impecable de la digitación, la liquidez de los pasajes más rápidos, el carácter de ciertas frases.

Si aquí hubiera concluido el concierto nos hubiéramos llevado una noche memorable. La segunda parte, íntegramente dedicada a Chopin, cerró arrebatadoramente. Chopin se interpreta tanto por manos poco experimentadas, artistas que vienen y van, que a veces uno desea poner a descansar esta música. Cuan equivocado estaba. Chopin debería ser terreno exclusivo de grandes pianistas; la selección de valses mostró una ligereza deseable en esta música que a veces se toma demasiado en serio. Pero las mazurcas Op.30 y los dos nocturnos Op.27 fueron una revelación que volvió a conmover. El cuidado de los ritmos, la nostalgia del discurso, la belleza de la armonía. Una vez más luminosidad y pasión. ¿Cuántas veces la barcarola op.60 ha ido y venido? Aquí el ritmo nos transportó a los claroscuros de la noche veneciana. Música de primer nivel y quehacer emotivo. Había olvidado la posibilidad de amar la música de Chopin. El scherzo No.2 Op. 31 concluyó la noche con un despliegue de bravura en la parte central y en la coda, por si quedaba alguna duda que el veterano maestro tuviera todavía la fortaleza para salir avante en tan complicados pasajes. Poder de mano derecha, acordes impecables, ductilidad de la izquierda. La ovación final de pie fue merecida. Tantas proezas técnicas en varios de los artistas de hoy, olvidándose que la música es también comunicación, mensaje. No podremos olvidar fácilmente las lecciones de Badura-Skoda. Parafraseando la opinión de mi amigo Gabriel Rangel el maestro dio cátedra de intención en la música.

EPILOGO

Tras el recital fui a ver a Paul Badura-Skoda y esperé pacientemente mientras que varios melómanos (muchos de ellos músicos) lo saludaban y se tomaban fotos con él. Amable, encantador, vital, se dejó querer. Le agradecí por su arte. Me comentó que estaba emocionado y sorprendido por la recepción calurosa del público. ¿No será que en Monterrey queremos encontrar razones para despertar con optimismo y recuperar la certeza de que la vida también tiene sus bellezas?

Las óperas cómicas de Rossini; Un breve estudio psicológico

2011-09-26T22:34:00.000-07:00

Dentro de su producción de óperas italianas, 4 óperas cómicas de Rossini sobresalen: “La italiana en Argel”, “El Turco en Italia”, “El barbero de Sevilla” y “Cenicienta”. Estas 4 óperas, sin embargo, son estilísticamente distintas. La italiana en Argel es una ópera bufa pura en la que el humor de pastelazo, la picardía y el ingenio se funden para dar la primera obra maestra rossiniana en este género. Si bien podemos encontrar un trasfondo serio como la emancipación de la mujer del macho bruto, los personajes son exagerados, grotescos, burlescos. Únicamente encontramos cordura en las figuras femeninas. Lindoro es ingenioso pero no es un personaje con la firmeza de un Ramiro, la pasión de un Narciso o la resolución de un Almaviva.

Isabela se nos presenta como una gran creación. Una mujer valiente que rompe con sus estereotipos. Ella lucha por sus ideales, por sus deseos. Incluso adquiere unos tonos heroicos en el segundo acto comparados con los cuadros revolucionarios de Delacroix. En cierta forma La Italiana en Argel es la parodia de la ópera de rescate de principios del siglo XIX, sin embargo no es una parodia social como veremos más adelante. Musicalmente Rossini caracteriza de forma soberbia sus personajes. No desde un punto de vista psicológico, sino más bien desde una óptica cómica. Los personajes tienen música sutil, grandiosa, ingeniosa, disparatada, de acuerdo a los sentimientos que van experimentando en escena. Podríamos decir que Rossini es un psicólogo del aquí y del ahora. El único personaje que se nos presenta en su complejidad es Isabella. Son estos contrastes la causa que La Italiana en Argel nos parezca una ópera absurda. Sin embargo lo absurdo es peligrosamente real pues solo se ridiculiza lo serio, en este caso las costumbres del ser humano. Un modelo perfecto de la Comedia de arte Italiana, la típica ópera bufa, heredera de una gran tradición.

Con el Turco en Italia, Rossini da un paso más allá en la renovación del género cómico. Si la Italiana en Argel se nos presenta como un modelo dentro de los confines de la ópera bufa, El turco es una transición entre este género y la comedia elegante representada por el Barbero y la Cenicienta.

El barbero es la primera comedia de Rossini, en un sentido más sofisticado del término. Lejos está de la ópera bufa que había definido ya con Italiana y Turco. La música apunta a elementos amorosos y galantes que no encontramos en las otras dos magníficas partituras. Los personajes son tridimensionales. Hay elementos contrastantes entre las clases sociales, edades y temperamentos. Figaro no es un simple y timorato Tadeo; ingenio, inteligencia, humor y mercurialidad lo definen. De igual forma Don Bartolo es mucho más intrigoso que el generalmente amable Don Geronio.

La Cenicienta se nos presenta como el último desarrollo de Rossini como compositor de ópera cómica italiana; dicha obra está más cercana a sus dos grandes óperas semiserias; Urraca ladrona y Matilda di Shabran que de sus primeras óperas bufas. Esta ópera servirá de modelo para comedias como Don Pasquale o el Elixir de amor de Donizetti. En la cenicienta lo tragicómico está presente a lo largo de toda la obra. La triste suerte de Angelina y su posterior triunfo nos la presentan como una heroína de ópera seria. Sus hermanastras son parodias de las mujeres de sociedad de la época (que podría ser también nuestra época), caprichosas, huecas, ambiciosas. Pero ojo con el término que estoy utilizando. Dije parodia, la representación burlesca de algo.

Rossini musicalmente y Ferretti literariamente hacen una parodia de la sociedad burguesa de su época. No encontramos la parodia en la Italiana en Argel, su escenario es demasiado exótico para poder encontrar una identificación directa con los acontecimientos, como lo dije antes se trata de una ópera dentro de los confines de la ópera bufa. En el turco en Italia encontramos personajes serios y semiserios. Empieza a haber un poco de parodia en las figuras de Geronio y Fiorilla. En el barbero encontramos una comedia equilibrada, ágil, un torbellino de gracia. No encontramos parodia propiamente dicha... todo en el barbero está sujeto a la trama. No hay palabras ni música de más.

Sin embargo en la Cenicienta encontramos abundante parodia en la familia de Don Magnifico. Una parodia de la clase burguesa decadente de cualquier época. Encontramos al “barón” don Magnifico que podría ser un banquero, un abogado, un doctor, un ejecutivo de nuestro tiempo que debido a un estatus al que ha estado acostumbrado a vivir a dilapidado el dinero ganado para mantenerse en este nivel(una escena patética que se repite en nuestro tiempo) es por eso que necesita casar a una de sus hijas con alguien de la nobleza(en nuestros días sería de nombre o alcurnia), en este caso el príncipe Ramiro.

Don Magnifico es un personaje maestro de la parodia. En sus arias se nos aporta suficiente información sobre el personaje, sobre su psicología. Encontramos la megalomanía (Pretensión por lo grande) y el sueño guajiro(aspirar a recuperar su posición) de un sujeto que está prácticamente en la ruina.(Su caserío está en un gran descuido). Aspira recobrar el estatus y el modus vivendi que ha perdido. Aspira ser un barón cercano a la clase gobernante. En su ultima aria sueña con sus tareas una vez recuperada su posición; Pero cuales son estas labores?? Interceder por algunos sujetos, buscar la mordida a cambio de una audiencia real. No hace nada, pero cree hacerlo. Sus ocupaciones son intrascendentes pero cree ser importante (Lo mismo sucede con varios ejecutivos actuales que se pierden dentro de los organigramas de una compañía). Sueña con ser un asno en las alturas. La figura de Don Magnifico no es del todo una parodia. Se nos presenta como un ser repulsivo, el hombre común que se abre paso abusando de los demás (Angelina), a través de la hipocresía (sus falsas alabanzas al falso príncipe), a través del soborno (3ª aria) y finalmente a través de la sumisión (al postrarse a los pies de Angelina quien ahora ya está en el trono). Aquí el personaje en manos de un cantante poco experimentado nos puede parecer una figura abrumadoramente real, lo cual no es la intención principal detrás de la dramaturgia del personaje.

Cayendo con Victoriano en el Festival de Teatro Nuevo León 2011

2011-08-28T13:17:00.000-07:00

El Festival de Teatro Nuevo León 2011 mostró en gran medida la continua consolidación de este magnífico proyecto. Sin lugar a duda uno de los más importantes abanderados por CONARTE. En una ciudad amagada por la violencia proyectos como este son contundentes para reflexionar y encontrar el diálogo intelectual que se ha perdido con el relumbre de oropel y vacuidad cotidiano.

“Cayendo con Victoriano” de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz-Monasterio es una de esas obras compactas que pasan en un suspiro gracias al poder de la historia (con diversas alusiones a nuestra realidad actual) y a una dinámica concepción de parte del director Luis Martín.

La obra está basada en el libro “La esposa de un diplomático” de Edith O’Shaughnessy, esposa del encargado de asuntos de negocios de los Estados Unidos en México durante la dictadura de Victoriano Huerta. Entre los personajes históricos que podemos apreciar en escena se encuentra la propia Edith quien es el hilo conductor de la trama y quien desde el “presente” narra sus reminiscencias del pasado. Dichas reminiscencias adquieren vida en cuadros de diálogo bien logrados. La caracterización de Ana Verónica Muñoz fue convincente, logrando un sorprendente matiz de gestos que retrataron a esta mujer de la alta sociedad estadounidense, poseedora de un cierto orgullo clasista atemperado. Edith se nos presenta como una mujer ajena al maquiavelismo político, enfocando sus simpatías hacia la curiosa figura del dictador en su vida íntima.

Además de la relación de Huerta con Salvador Díaz Mirón, encarnado de forma directa y natural con dejos de ironía y cinismo por Raoul Bretón, los momentos más emotivos de la obra se dan en las escenas entre Huerta y Nelson O’Shaughnessy. Es aquí donde vemos las actuaciones más sobresalientes dentro de un reparto ya de por si ejemplar. Alfredo Huereca, como Victoriano Huerta, domina cada escena en la que aparece, sin opacar a los otros personajes. El dictador se nos aparece voluble, considerado, agresivo, cálido, en resumen tremendamente humano y esto es uno de los aspectos fascinantes y macabros de la obra. Huereca subraya la violencia inherente del político mexicano, la cual es atemperada por el carisma y aplomo.

William Blechingberg, encarna un diplomático elegante pero generalmente débil que contempla con horror los hechos que suceden en México sin que él o su gobierno encuentren una forma adecuada de intervención. La relación entre este y Huerta parece más la de un padre e hijo. Ambos comparten el gusto por la bebida, aunque Nelson, como buen puritano, esconde su afición.

Lo pasmoso de la obra es la simpatía que sentimos por Victoriano Huerta. A momentos parece como si Gutiérrez Ortiz-Monasterio jugara con nosotros; explora la capacidad de empatía que podemos sentir por cualquier figura política. Todos somos responsables de la legitimación de los caudillos, aún y los más dudosos, parece decirnos el dramaturgo. La revolución está llena de esos heroes falsos de sangre y traición.

Las similitudes entre el México de 1914 y el de hoy son patentes. Hemos heredado y perfeccionado los vicios que a partir de la revolución y los albores del PNR han formado parte del status quo de México. La corrupción rampante, la ingobernabilidad, la ineptitud del congreso. Todo esto nos atormenta día con día. Luis Martin no tiene reparo en subrayar estas similitudes, jugando con algunos anacronismos puntuales.

Su dirección generalmente es efervescente con algunas transiciones de reposo como cuando Edith retoma la narración. La economía de medios de la producción del propio Alfredo Huereca es trabajada con efectividad; Sobre el escenario todo el mobiliario está dispuesto desde el inicio. Un par de mesas con sus sillas de época. Vestuarios efectivos y lo suficientemente detallados para redondear a los personajes históricos. Lo que varían son los cambios de iluminación que destacan lo cuadros-escenas en cuestión. Hay una lógica bien trabajada pues estos cuadros no son más que las remembranzas de Edith que deambula a lo largo de la escena. En realidad nos asomamos al cerebro de la narradora.

“Cayendo con Victoriano” es una importante metáfora de la realidad de México, vista a través de un episodio indignante de la historia. El día que perdamos la capacidad de manifestarnos – utilizar nuestra “lengua” - ese día nos habrá ganado la ignominia. Más vale que no la dejemos conservada en un frasco.

Smetana: An introduction to "The Kiss"

2011-07-13T17:21:00.000-07:00

Este es uno de diversos artículos que he escrito en inglés y que ahora presento en este blog. Pronto publicaré también una traducción al español.

Bedrich Smetana is one of those composers that grow on you each time
you listen to his music. I was captivated in my childhood by such
works as Ma Vlast which I had in two different versions by Kubelik.
In due moment I also got to know Prodana Nevesta (Bartered Bride)
first through it's exciting dances and then the whole, charming,
opera. Right now he's one of my favorite composers and I have a
pretty large discography with many of his operas, orchestral, choral
and chamber works and piano music.
One of those composers which overall, have a great level of consistency through their work. Smetana should be known to any opera fan. In my opinion he's one of the 19th
century important opera composers. Perhaps it's unfair to regard him
only as a great nationalist composer: If music like Dvorak, Tchaikovsky's or
Janacek's have been well received outside their countries I don't see
why Smetana can't cross the border besides Bartered Bride; Dalibor
has as nice a plot as any of Verdi's historical operas. The kiss,
Secret and two widows are great comedies-melodramas
as any 19th century great operas.

The problem I see with Smetana (besides the language) is the intimacy
of some of his music. But with good staging they can easily surpass
the "local color" prejudice.

"The Kiss” is a charming score. The story is one of
jealousy, misunderstanding and deep human emotions. It’s an opera about
human beings, not heroes. There isn't a hero or a heroine, just
people entangled in their relationships, affected by social
boundaries and traditions. The music is full of motives that keep
popping out through the opera in different colors. Smetana achieves a
steady flow of music and in this sense the pace is managed
masterfully, displaying a compact dramaturgy and economy of means
that puts him above Bartered Bride in this aspect.

On the other hand, Smetana's music is melancholic, with a sad
undertone. It was composed between 1874 and1876, when he was totally
deaf. It was his first opera composed under these circumstances. It
has many independent numbers that, however, never stop the
action. The overture is written in a potpourri style but the
symphonic flow puts it above many overtures with this type of
structure. Among the memorable moments are Vendulka(soprano) 's two lullabies,
Lukas's second act rage aria and duet with Tomes, Tomes's first act
solo, Paloucky(bass)'s first act aria, Vendulka's and Lukas(tenor)'s love duets,
Barce(soprano)'s lark song and a fine quartet with chorus on the first act.
The story is about two widowers who are in love but she refuses to
give him a kiss until the proper mourning for his late wife is
accomplished. He explodes with rage and almost puts off his new
marriage.

As you can see the story is of forgiveness, reconciliation
and human relationships. Smetana at this stage of his life (after a
difficult first marriage) was concerned with redemption and second
chances in human relationships. The Supraphon recording is good, with
atmospheric (though not state of the art) recording and a Czech
flavor Janacek Brno Orchestra under Vajnar's vital and endearing
baton. I like Eva Depoltova's lyric voice, only showing some pressure
on the high register. She is well matched by Leo Marian Vodicka a
nice lyric tenor of some punch. Among the Czech legends Vaclav Zitek
displays a firm and ample tone, a nice baritone. Eduard Haken has
plenty of face and an older sounding bass instrument but he was at
the final part of a long and distinguished career, still one can
sense his artistry. Bozena Effenberkova sings the lark song with
girlish naivety.

Un barbero divertido: Presentación de "Il Barbiere di Siviglia" de Rossini en Monterrey

2011-06-14T20:30:00.000-07:00

La noche del 14 de junio marcó el regreso en Monterrey, tras varios años de ausencia, de este torbellino musical entrañable que es el "Barbero de Sevilla" de Gioachino Rossini. Algunos de los artistas que participaron en la ocasión previa repitieron sus papeles con acierto. Un buen barbero no puede dejar de deleitarnos o hacernos reír y en este aspecto la Facultad de Música de la UANL con David Zambrano al frente del proyecto cumplió nota por nota el cometido.

No importó que Rogelio Marín haya comenzado un poco discreto en su cavatina "Ecco ridente", tampoco importó cierto trabajo menos que limpio de las cuerdas (sobretodo en una floja tempestad) o que Oscar Martínez haya tenido un pequeño olvido en "Largo al factotum" y que el mismo Marín al final de la obra haya llamada "Don Alonso" a "Don Basilio". Pecadillos que no afectaron una velada disfrutable en donde cada personaje logró conquistar al público. El Teatro Universitario de la unidad Mederos tuvo una buena asistencia, tomando en cuenta que la propaganda previa al montaje fue inadecuada.

El debut como directora de escena de Ivet Pérez no pudo haber sido mejor. Infundió una idea fresca e ingeniosa en el movimiento escénico; cumplió con creces en algo difícil de lograr para un director de escena; que el público respondiera a la obra y a los ingenios musicales y escénicos que posee esta. Manejó con acierto el final del primer acto cambiando a los personajes del plano principal de acuerdo a sus intervenciones e introdujo una idea muy graciosa; convertir a Basilio en una especie de mago (además de maestro de música) y encuadrando sus torpes dotes dentro de la sintaxis musical sin abusar de la idea. En este caso contribuyó ampliamente la gran bis cómica de Rafael Blásquez, bajo. Vocalmente cumplió con el personaje únicamente mostrando una cierta rigidez en su registro más alto en el aria de la calumnia. Por otro lado mostró un registro grave redondo y saludable en el cuarteto del segundo acto.

Oscar Martínez dominó la escena como ya es costumbre. Si hay alguien que tiene la medida de Figaro en Monterrey es Oscar, su vestuario ayudó así como su peluca la cual le dio un toque juvenil y cuidadosamente de época. Martínez se encuentra en un buen momento vocal con esa voz flexible, dúctil en la coloratura y expresividad generosa.

Si hubo un elemento escénico que elevo la calidad de la propuesta fue el vestuario diseñado por Ivet Pérez y David Zambrano. Llevaba tiempo sin ver una propuesta consistente y efectiva en este aspecto. Por una vez el vestuario dieciochesco del Doctor Bartolo estuvo a la altura de este "famoso" doctor sevillano. Contrastó la indumentaria de Figaro; fresca,relativa a tiempos cambiantes con su boina, camisa y casaca clase mediera. Los cambios del conde Almaviva fueron efectivos desde su elegante vestuario de noche al uniforme de soldado o la sotana de capellán-maestro de música.

El Almaviva de Rogelio Marín comenzó un poco desigual con una cavatina funcional, correcta pero poco espectacular; discreto en la fioritura y con la cabaletta sufriendo un pequeño corte. Al llegar a su canzoneta Marín ya estaba en forma regalándonos una versión sensible. Su voz es de un tenor ligero con el timbre ligeramente velado, gran musicalidad y elegancia de línea. Solo en ocasiones se echaba en falta un poco más de volumen. Escénicamente estuvo a la altura interactuando animadamente con Figaro y en sus duetos con el Dr. Bartolo.

Guillermo Ruiz hizo un Bartolo ejemplar en todos los sentidos. Voz amplia, divisiones precisas, destreza para el canto silabato de su gran aria. Por una vez la escuchamos completa y con justicia. Escénicamente sorprendió su trabajo redondo puesto que en el pasado fue un Uberto un poco soso. Realizó un Doctor Bartolo interpretado con gran dignidad y esto último hizo que las situaciones cómicas que lo involucraban fueran aún más divertidas. Simplemente excepcional su manejo de bastón. Creó a un personaje altivo e involuntariamente ridículo.

La Rosina de Cristina Velasco gustó mucho y su voz natural de soubrette abordó con gracia y estilo su difícil rol. Escénicamente cumplió con su ya característica frescura e inocencia, ciertos manerismos aparte. Vocalmente mostró una técnica precisa, gran habilidad para las fiorituras y los trinos. "Una voce poco fa" mostró quizá un exceso de decoración sobretodo en la primera vuelta del aria (algo poco característico). A momentos me hizo recordar el anécdota de Rossini cuando la gran Adelina Patti interpretó esta aria para él y la decoró de tal forma que el maestro le reviró; "Muy bello señorita pero dígame ¿Quién compuso esa aria?". Cuestión de gustos pero yo seguiré esperando la oportunidad de ver a una mezzo en este papel.

Lucy Arner dirigió en un estilo clásico la partitura de Rossini que en varios momentos se habría beneficiado con tiempos más vivos. La obertura careció de brillantez. En contraste el final del primer acto estuvo en un tiempo preciso y vivo sostenido con buen pulso por la experimentada directora. Con algunos apuros de ensamble, la lectura hizo honor al Rossini clásico aunque adoleció de mayor ímpetu. La orquesta de cámara de la UANL es un conjunto funcional que requiere un poco de mayor lustre en las cuerdas. Por el otro lado los alientos tuvieron atinadas intervenciones. Se logró un trabajo decente sin lograr grandes calificativos.

Es de agradecer que el texto utilizado fuera fiel a Rossini exceptuando los timbales optativos en la obertura (la partitura original no los contempla ni los necesita salvo el bombo en el aria de la calunnia y la tempestad). Se cortó el aria brillante del segundo acto de Almaviva así como algunos cortes en los recitativos incluyendo la salida de Fiorello. Se suprimió el papel de Ambrogio, sirviente de Bartolo. Se utilizó la guitarra acertadamente en la canzonetta del primer acto no así en la cavatina de Almaviva.

José Rubio fue un Fiorello sonoro y sobrado, poseedor de una buena vis cómica. La Berta de Rocío Tamez ejemplar; nadie en Monterrey había sacado tal partido de este papel. Escénicamente contribuyó al disfrute con esa naturalidad para la comedia. La voz es oscura y redonda en su parte central y baja. No tuvo problemas con su música.

El diseño de escenografía de David Zambrano y Rafael Blásquez reunió los elementos indispensables para un barbero efectivo. Bella la imagen principal de Sevilla. Quizá fue un error el anochecer en la escena de la lección de música, un atardecer habría sido correcto. El mobiliario no desentonó con el concepto salvo un biombo que contrastó con el resto.

El trabajo de Lucía Torres en los recitativos con piano (eléctrico) fue impecable, musical e inteligente. Cuanto levanta una propuesta como estas el tener un músico de gran sensibilidad en este departamento.

Parafraseando a un célebre maestro de la ciudad; No estoy seguro que este Barbero haya sido la función de la década, de lo que sí estoy seguro es que ha sido hasta el momento el mejor barbero de la década. Raras veces encontramos esa combinación exacta de musicalidad y diversión. Esta ciudad se merece una buena dosis de la genialidad del maestro de Pesaro, tan siquiera para darnos cuenta que estamos vivos y que esto vale la pena.

Salvador Brotons y Antonio Soria con la OSUANL: Música de Brotons, Turina, Chopin y Borodin

2011-06-05T09:37:00.000-07:00

La etapa de Jesús Medina al frente de la OSUANL no solo ha explorado un valioso repertorio hasta ahora ignorado por el ensamble sino que ha restaurado en los músicos un evidente placer por tocar.

El pasado jueves 2 de junio en el Teatro Universitario, el compositor y director de orquesta catalán Salvador Brotons se presentó al frente del ensamble. Poseedor de una técnica enérgica en el podio, con movimientos amplios de batuta, más apasionados que elegantes, Brotons conquistó al público así como a sus músicos, evidente en el reconocimiento que le tributó la orquesta en el escenario. Este concierto también marcó el debut en Monterrey del pianista español Antonio Soria, quien es poseedor de una técnica exquisita.

El programa inició con una versión autoritativa de la obertura “Costa Brava” del propio Bretons. La obra, con menos de diez años de existencia (fue compuesta en 2005), es un poema sinfónico de un cuarto de hora que ilustra las bellezas de la costa brava así como sus vientos y tormentas. Después de un inicio sombrío, en donde los metales y la percusión poseen un papel preponderante la obra reposa en algunos interludios de bello lirismo que evocan la grandeza del Mediterráneo. La obra concluye de forma poderosa, en un estilo a veces neo expresionista de tintes melódicos con una escritura masiva para los metales y timbales. La música si bien carece a momentos de mayor memorabilidad en su material temático, es de gran efecto y emotividad. La OSUANL mostró una paleta sonora apropiada. Desde este momento el público reaccionó con entusiasmo al quehacer musical que se desarrolló esa noche.

El 15 de febrero de 2008 tuve la oportunidad de escuchar esta obertura en el Palau de la Música Catalana, a continuación mi reseña de aquella ocasión:
http://www.trofonio.com/2008/02/brotons-montsalvatge-y-faure-con-la.html
Al finalizar el concierto fui a saludar a Brotons y me encontré con un hombre agradable y de gran amabilidad que dedicó tiempo a músicos y melómanos. Conversé con él brevemente sobre Barcelona (mi estancia de 2007 a 2008) y le comenté que ya conocía su obertura. ¡Aparentemente su esposa no había disfrutado tanto la ejecución que se realizó en aquel 2008 y en donde Brotons no pudo estar presente!

La rapsodia sinfónica para piano y orquesta de cuerdas del sevillano Joaquín Turina, es una obra poética que pasa del paisaje nocturno sereno a la fiesta. En las manos de Antonio Soria el piano adquirió colores argentos desde sus inicios percusivos hasta el final de un virtuosismo siempre musical. El final abrupto sorprendió a la mayoría de los asistentes. En seguida, Soria nos deleito con un Andante spianato y gran polonesa brillante de Frédéric Chopin en donde pudimos olvidar la banalidad y convencionalismo de la parte orquestal gracias a una sentida interpretación desde el andante. Soria desplegó su considerable virtuosismo en la polonesa pero lo que más llamó la atención fue la delicadeza de su toque y la cuidadosa precisión rítmica. La orquesta cumplió con su ingrato trabajo. En la rapsodia sinfónica las cuerdas de la OSUANL tocaron con gran temperamento, haciendo a un lado algunos momentos de poco lustre al comienzo.

La segunda parte del programa fue ocupada por la Sinfonía No. 2 en si menor de Alexander Borodin. ¿Qué tan insignificante e inmemorable fue la última interpretación de esta sinfonía con la OSUANL que no recuerdo siquiera quien fue el director? Brotons, en contraste, logró una lectura brillante quizá comenzando con un allegro un poco por debajo del tiempo ideal. A pesar de lo anterior Brotons tuvo completo control de la estructura de esta sinfonía. Se echó en falta un poco al comienzo la falta de lustre de las trompetas que se escucharon desafinadas. Las intervenciones de las maderas fueron acertadas. El scherzo fue interpretado en tiempo ideal y en el andante Brotons logró una lectura sentida de parte de las cuerdas alcanzando un clímax sonoro en donde toda la orquesta respondió con efectividad. Durante toda la sinfonía se apreció el trabajo solvente de los cornos, mostrando un sonido redondo. El final, encadenado con el andante, concluyó de forma espectacular esta obra épica. El tema principal, punteado de forma emocionante por los instrumentos de percusión estalló en gran algarabía. Concluyó la coda con una fuerte ovación de parte del público presente. Esperemos ver en el futuro una vez más a Salvador Brotons como invitado al frente del ensamble universitario (y orquesta sinfónica de la ciudad).

Barbero de Sevilla de Rossini ; Próximamente con la Facultad de Música de la UANL

2011-06-04T09:58:00.000-07:00

Próximo martes 14 y miércoles 15 de junio regresará a la ciudad una de las óperas más entrañables de todos los tiempos; “El barbero de Sevilla” de Gioachino Rossini. Entre varias obras maestras del cisne de Pesaro “Il barbiere” pudo resistir el paso del tiempo y a pesar de ciertas versiones de texto corrupto desde su creación en 1816 prácticamente siempre ha estado presente en los escenarios importantes del arte lírico.

Ahora regresa a Monterrey tras una ausencia de más de 5 años. En papel no son muchos pero “El barbero” está en ese pequeño grupo privilegiado de óperas que se pueden escenificar una vez cada año o dos y jamás pierden su frescura ni el interés del público.

La Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León ha conformado un reparto que en papel se antoja equilibrado e ideal salvo en un punto. Hay también una gran sorpresa que desde este momento provoca mi curiosidad.

La orquesta de cámara de la Facultad de Música de la UANL estará dirigida por Lucy Arner con lo que estará garantizado un quehacer musical al menos comprometido. El director de producción es David Zambrano quien desde tiempo atrás ha estado al frente de las producciones serias de ópera que ha montado esta institución. Se podría decir que ya poseen una especialidad en Rossini y mejor alabanza que esa, en la ciudad de sequía artística, es imposible.

El reparto nos presentará al barítono Oscar Martínez como Figaro, Rogelio Marín, tenor, como Almaviva, Guillermo Ruiz, barítono, encarnará al doctor Bartolo, Rafael Blásquez, bajo, será Don Basilio, Rocío Tamez, mezzosoprano, representará a Bertha.

Mi reserva está ocasionada por la noticia de que Cristina Velasco cantará el papel de Rosina. No es una reserva que tenga que ver con su capacidad vocal, belleza de instrumento o aproximación escénica. Es una reserva surgida del disfrute y conocimiento de esta obra por muchos años. De entrada el papel de Rosina fue escrito en un principio para la contralto Righetti Giorgi. Si bien Rossini arregló más adelante el rol para la soprano Josephine Fodor-Mainvielle , incorporando incluso un aria de su ópera “Sigismondo” previo a la escena de la tormenta. Pero el genial balance original de este personaje ubicado en un mundo de hombres. se pierde con una voz lírico-ligera como la de Velasco.

Parece que seguiré esperando una versión ortodoxa incluyendo la edición; Alberto Zedda publicó la versión crítica de la ópera en 1972 para la Fundación Rossini de Pesaro. La que generalmente se ha escuchado en Monterrey es una de las versiones tradicionales a veces con detalles orquestales mucho menos sutiles que el original. ¿Cuándo escucharemos una función con los recitativos completos, sin cortes en la stretta del final del 1er acto, con el breve papel de Ambrogio incluido, sin cortes en el aria de Don Bartolo o con el aria final de Almaviva “Cessa di piu resistere”?

La gran sorpresa de la noche será el debut de Ivét Pérez como directora de escena. La soprano ahora estará trabajando en otra dimensión del drama. Esto me llena de expectativa y curiosidad. Pérez es una artista inteligente que ha podido ver de cerca el trabajo de diversos directores consagrados del medio. Los escenarios virtuales, como ya es costumbre en este tipo de colaboraciones, serán de Rafael Blásquez.

Con todo y las pequeñas reservas – más bien de un obsesivo por la filología musical – este barbero promete ser un acontecimiento que, sin tanto bombo y platillo, podría superar a aquel Trovatore que hace unos meses montó Ópera de Nuevo León.

Ambas funciones se llevarán a cabo a las 19:00 en el Teatro Universitario de Mederos.

Il Trovatore de Verdi en vivo desde el MET

2011-05-28T16:11:00.000-07:00

Estimado lector; te comparto una reseña de mi amigo Miguel Gálvez, melómano conocedor. Se trata de la reciente transmisión de Il Trovatore de Verdi desde el MET de Nueva York. Espero la disfrutes.

Pues les digo que de entrada la producción me gustó, de escenografía no muy ostentosa pero práctica y efectiva, gracias al escenario giratorio, esto aunado a un vestuario por demás vistoso, creo que fue un buen logro de McVicar. Hubo dos o tres cosas que no me gustaron: unos gitanos peleando en la escena del Anvil Chorus, y en otro momento una de varias parejas de gitanos en el escenario, haciendo la mímica de estar casi follando…ella trepada en el sujeto con las piernas “enredadas” arriba de su cintura, y los brazos por el cuello, me parece que dichos “agregados” eran totalmente prescindibles.

La dirección de Armiliato fue al de un Verdi bien balanceado, sin aceleraciones exageradas ni expansiones innecesarias. El coro cumplidor como de costumbre en lo sonoro y lo cuadrado con la orquesta. La mayoría quedaron apabullados por la presencia, madurez y autoridad del Conde creado por Dimitri, y en realidad el barítono ruso ofreció una función para la posteridad, voz en estado de gracia, solidez a lo largo y ancho del registro, resonante, y de cereza en el pastel, una pasión y entrega en cada frase cantada que cautivó al público en general.

Sin embargo, a mí me dejó impresionado la Sondra Radvanovsky, nunca la había escuchado, sabía de ella, pero hasta ahí…. ¡Que bárbara! Tiene todo: es una mujer bella, excelente presencia escénica, destacables dotes histriónicas. Su voz me dejó perplejo, es un torrente vocal. Les confieso que me arrancó alguna lágrima. Su emisión es impecable, el timbre tiene tintes “Callasianos” sobre todo en el registro medio, el cual es rico, abundante y seductor. Su técnica de respiración es impecable, posee notable agilidad y precisión en el manejo de las fiorituras y aunque su registro agudo quizá resulte estridente para algunos, a otros nos parece emocionante.

Marcelo Álvarez, como Manrico, me pareció muy lírico, no obstante bien enfrentado y resuelto dentro de ese esquema, además es buen actor y da color al personaje. Se le vió un poco pasado de peso.

Al parecer, el bajo originalmente anunciado para el Ferrando era Ildar Abdrazakov y fue reemplazado por un joven que resultó cumplidor, de voz oscura, con cierta profundidad y resonancia; logró cubrir decentemente este papel comprimario.

La Azucena de Zajick fue una muestra de arte en toda la extensión de la palabra….madurez, inteligencia, un instrumento que aún conserva ese caudal vocal que la ha caracterizado desde su debut en esta sala en 1988, así como su habilidad escénica que impresionó a propios y extraños. Sin duda la Mezzo verdiana más completa del momento.

Las Sombras tiemblan; Arde el Musgo Gris de Thor Vilhjàlmsson

2011-04-02T08:42:00.000-07:00

Brezos, musgo, caminos sinuosos a lo largo del paular, parajes de roca volcánica, montañas escarpadas, riscos, planicies verdes, rocas cubiertas de musgo ardiente, riachuelos frescos. Esa es la Islandia que nos comparte Thor Vilhjàlmsson (1925-1911) en su excepcional novela “Arde el Musgo Gris” publicada en español por Nórdica Libros.

La obra nos relata la historia del juez Asmundur en un difícil caso rural; el incesto de dos hermanastros, Saemundur Fridgeir y Solveig Susanna, que han procreado un hijo. Su paso por la campiña islandesa y su naturaleza inmensa e impenetrable queda bien ilustrada así como las reminiscencias poéticas (pues el juez es poeta también) que nos contribuyen a crear un cuadro formidable del espíritu islandés.

Y es que el trabajo de Thor Vilhjàlmsson está inspirado en la figura histórica de Einar Benediktsson (1864 – 1940) abogado, poeta, impulsor del desarrollo islandés así como editor del primer diario de este país. La novela nos lleva a esta Islandia campestre de principios del siglo XX. Pero no es menos magistral la descripción humana; el pueblo islandés en su rústica y perseverante integridad. La simpleza campestre aliada a la fortaleza. Thor integra en su novela algunas leyendas islandesas y paisajes oníricos que atormentan a Asmundur a lo largo de su caso.

La narrativa es poderosa, rica en descripciones crudas, el ritmo del libro es variable dada la brevedad de algunos capítulos. Hay vistazos al pasado que ayudan a redondear la personalidad de Asmundur y su relación con su padre también juez. Aún y con breves intervenciones los personajes secundarios están bien construidos. Podemos destacar al cura será Stefan y su entereza espiritual que contrasta con el mundo racional de Asmundur. La aparente simpleza de ese cura rural y su incapacidad de juzgar se convertirán en una lección de vida para Asmundur cuando su caso adquiera un sesgo trágico; el suicidio de Solveig, emocionalmente inestable tras el probable infanticidio de su hijo (este hecho no queda resuelto).

Los hermanastros son figuras trágicas, víctimas de su circunstancia y limitaciones; víctimas de las condiciones rurales. No encuentran en el férreo juez un atisbo de simpatía hasta que los acontecimientos desbordan su racionalismo occidental. Otro personaje fugaz destacado es la sensual amante de Asmundur en su exilio tropical tras su quiebre mental y físico ocasionado por el caso. Thor es un narrador excepcional de grandes recursos capaz de abrumarnos con la naturaleza islandesa o intoxicarnos de la sensualidad de los trópicos.

Algunos de los mejores momentos son los capítulos en los cuales el cura Stefan y Asmundur intercambian su visión del mundo, especialmente aquel capítulo en el cual el ministro trata de dar consuelo al juez a través del libro de Job tras el suicidio de Solveig:“Y ni siquiera puede hallar al poeta que lleva dentro, se lo impide la atroz responsabilidad del juez. La poesía será su salvación cuando haya entrado en las tinieblas sin encontrar el brillo de una luz”

Este momento así como el encuentro de Solveig con Asmundur en el tribunal se erigen a mí entender como el clímax de la novela. Dicha confrontación es un momento psicológico en donde se introduce la metáfora de Medea y Jasón. Si, puesto que Thor al mismo tiempo que voz islandesa es voz universal y ahí radica la belleza de “Arde el musgo gris”; incluso en las descripciones aparentemente lejanas de la Islandia de comienzos del siglo XX encontramos atisbos comunes que dan reflexión a nuestra humanidad. Racionalismo y espiritualidad, progreso y tradición, vigor y poesía. Quizá en el mundo actual necesitamos un poco de cada cosa.

Tras su muerte, acontecida el pasado dos de marzo, tenemos la obligación de leer a este gran literato, como ha dicho su amigo y traductor Enrique Bernárdez en el obituario que publicó El País:"Con él desapareció uno de los más grandes escritores islandeses de todos los tiempos y una gran figura de las letras europeas".

The Kids ¿Are all right?

2011-03-27T18:52:00.001-07:00

The Kids are all right de Lisa Cholodenko en primera instancia es una propuesta mucho más atrevida y reflexiva que algunos otros filmes comerciales que han sido realizados en Estados Unidos en los últimos dos años. En comparación “Red Social” se nos aparece lejana, profundamente snob y fría. Pero a pesar de que Cholodenko presenta en pantalla algunos de los problemas del postmodernismo el resultado final es ambiguo. Una buena parte del filme me esperanzó a que finalmente tenía ante mí un trabajo políticamente incorrecto. Desafortunadamente esta esperanza se disipó hacia el final. En un punto importante la propuesta desafía las convenciones actuales. Pero el deseo de Cholodenko de encuadrarse dentro del discurso americano hecha por la borda las posibilidades.

Por supuesto que el filme ha sido bien recibido en Estados Unidos con un índice de aprobación de 95% según el sitio de “Rotten Tomatoes” y un 86 de “Metacritic”, además recibió cuatro nominaciones de la Academia incluyendo mejor película. Roger Ebert, ese decano de los críticos de cine estadounidenses, ha aplaudido el diálogo convincente de Cholodenko así como la ligereza del filme. Una comedia construida sobre un triangulo romántico. ¿Pero acaso el tema del lesbianismo debe quedarse en un nivel ligero? Creo que Ebert minimiza cierta profundidad inherente del filme. De entrada el dilema de los dos hijos de la pareja de lesbianas que deciden conocer a su “padre” el donador de esperma. El conflicto que se suscita en la relación de Annette Bening y Julianne Moore cuando la última sostiene una relación extramarital con Mark Ruffalo, el padre biológico de los hijos. ¿Y qué de la nueva relación de los hijos y su padre biológico? El personaje de Ruffalo está tan bien actuado que pronto gana la simpatía del espectador ¿Pero por qué su abrupta desaparición al final del filme?

A pesar de que la pareja de lesbianas aparentemente ha tenido una relación de pareja y familiar ejemplar, hay varios cuestionamientos; ¿Realmente es tan común en Los Ángeles una familia con estas características como para que los hijos se hubieran librado de una cierta estigmatización social? A lo largo de la película estos se presentan con una madurez que a momentos sobrepasa la de sus madres y padre. Cholodenko parece decirnos que existe una identidad sexual rígida ¿o no? Ahí está Moore en una relación aparentemente feliz pero incapaz de resistirse al encanto de Ruffalo.

Hasta ahí teníamos algo políticamente incorrecto. Consciente o no, Cholodenko parecía encaminar su filme hacia una reflexión sobre el rol perdido de la paternidad en los nuevos constructos de pareja y familia. Los hijos se nos pueden presentar felices pero albergan dudas de su progenitor. Hasta en un momento el hijo pregunta el monto recibido por su padre biológico cuando donó el esperma. Hijos convertidos en producto. La película a momentos parece decirnos que esto es “cool”, “fenomenal”, pero las dudas sobre el origen nos dicen lo contrario.

“The kids are all right” se encaminaba a que Moore dejara a Bening por Ruffalo pero ¿Cómo puede ser esto en un filme dónde una pareja de lesbianas está involucrada? Son relaciones de pareja tan normales como las heterosexuales, con los mismos problemas y cuestionamientos. ¿O me equivoco? Extrañamente un no heterosexual puede salir del closet y desequilibrar una familia pero ¿Se podrá dar el caso de la salida del closet de una no lesbiana? Me confundo y “The kids are all right” deja varios cabos sueltos y se queda a la mitad en su discurso. Ni siquiera Ruffalo sabe al final si podrá ver alguna vez más a sus hijos biológicos, a pesar de que en una primera instancia el no fue responsable de su encuentro.

Mejor que la basura usual que nos llega de Hollywood, más ideal para rentarse.

Il Trovatore de Verdi en Monterrey después de 33 años, el credo del crítico y algunas reflexiones

2011-03-26T22:26:00.000-07:00

La puesta en escena de Il Trovatore de Giuseppe Verdi por ópera de Nuevo León y CONARTE nos ha dejado un buen sabor de boca.

Es honorable el esfuerzo del equipo de Gerardo González, montar Il Trovatore no es cosa fácil. Ya el intento por si mismo sería digno de reconocimiento pero en este caso tuvimos una noche de buena calidad musical. Eso no significa, sin embargo, que haya sido una noche perfecta para colmar de alabanzas sin reflexionar al respecto.

Mi opinión sobre la noche se pudo leer en El Norte el sábado 26 de marzo así como en la versión en línea del mismo diario. Fue una de las dos críticas publicadas, la otra fue la del crítico musical regular de El Norte, Alejandro Fernández. El reglamento me impide reproducir mi escrito aquí. No escribiré una nueva crítica para mi sitio ya que lo considero redundante. Sin embargo quisiera compartir algunas reflexiones en torno a la puesta en escena. También quisiera realizar una réplica a un par de comentarios en El Norte online que se refieren a mi persona.

Quienes escribimos estamos expuestos, sin lugar a duda, a los comentarios de nuestros lectores. Cuando escribo crítica musical u operística las respuestas apasionadas se desencadenan con naturalidad. Ese aspecto me tiene sin cuidado ya que estamos en una democracia. Si yo escribo y doy mi opinión sobre el trabajo artístico de alguien es justo recibir una crítica u opinión sobre mi trabajo de opinión.

Pero hay ocasiones en las que las réplicas a mis escritos caen en lo prosaico y la vulgaridad. Si mi pluma se expresara de esa forma no tendría espacio en las publicaciones con las que colaboro regularmente. Ese par de comentarios que están dirigidos a mi persona muestran no sólo una falta de respeto sino también una laguna de conocimiento bastante marcada.

A pesar de que algunas personas me han escrito para mostrar su conformidad con lo que escribí he decidido dar respuesta a lo siguiente:

Una Señora Leonora di Vargas que no ha tenido la dignidad de revelar su nombre ha dicho que mi crítica es "un compendio de ignorancia del léxico del mundo vocal y operístico".

Dice la señora "Ni Kodaly, conocido por relacionar sonidos y colores, se atrevió a utilizar el color marrón para describir el color de la voz de una soprano". Por supuesto que no lo hizo señora di Vargas, en gran medida porque Kodaly no era ni crítico ni escritor. No sé que le sorprende la relación entre sonidos y colores; en Inglaterra, España, Italia se han descrito voces como "color chocolate", "plateadas", "doradas", etc. La descripción que más le ha gustado a Plácido Domingo sobre su voz es una en la cual lo definen como "voz marrón". Necesita usted leer un poco más sobre historia de la ópera y deje a Kodaly en paz.

Continúa Vargas argumentando que no es posible que haya detectado problemas en el sol de la soprano (Eugenia Garza). Como el espacio que tengo en El Norte está limitado a 2,000 caracteres a veces uno no puede explicar su punto de vista como quisiera. El caso es que Eugenia Garza posee un vibrato excesivo cuando tiene que sostener una nota alrededor del pasaje de la voz media a la cabeza (el cual se ubica generalmente entre un si bajo el do de la segunda octava hasta un sol para una soprano genérica)

Es cierto que pudo haber sido un fa como el fa con puntillo de "flebi" en el aria "Tacea la notte placida". Pero a mi y a una amiga cantante nos pareció que ese sonido trémolo caía en un sol. Los maestros de canto no se han podido poner de acuerdo con los rangos del passaggio, desde Manuel García hasta Alan Lindquest. Mi observación se realizó en base al recuerdo posterior de la función (una crítica se escribe tras la función) por lo que en este caso puede haber alguna discrepancia. Si bien la precisión de ese problema está sujeto a revisión el trémolo está ahí y únicamente afecta esa zona del pasaje de la voz de Garza. Para algunos puede ser más notorio que para otros.

Continúa Leonora di Vargas con la molestia por mi atrevimiento de decir que la cadenza final del "A si ben mio" no fue de buen gusto. Pavarotti la utilizó en el MET. Pues felicidades para Pavarotti, quien no fue un Manrico ejemplar. A mi no me gustó y no está escrita, interrumpió el flujo natural de esa aria. ¿Se vale discrepar no? Tal parece que la próxima ocasión tendré que mencionar "Todo fue fabuloso"

Se me acusa de alabar a Amelia Sierra y a la vez de ser contradictorio por calificar de mala su "Stride la vampa". Los artistas pueden comenzar frios, muchos de ellos estarán de acuerdo conmigo. Ese fue el caso de Amelia. A veces las grandes noches no son noches redondas; ahí están los gallos de Domingo cantando Otellos fenomenales, Pavarotti fallando en el agudo de "Che gelida manina" y creando una noche de antología. No señora Vargas, la ópera es fricción, emoción, entrega y también imprecisiones.

Con respecto a mi "dato falso" sobre la idea original de Verdi de llamar "Azucena" a Il Trovatore; me remito a las fuentes del gran libro de Piotr Kaminski (ya un lector me hizo el favor de defenderme en este aspecto). "La Zingara" o "Azucena" da lo mismo. La cuestión es que Azucena era el personaje que cautivó a Verdi en una instancia ¿Quizá Leonora di Vargas cree que Zingara se refiere a alguna de las coristas?

Finalmente me cuestionan la línea donde digo que "Bien vocalizada la Inés de Rosalinda Dominguez". Me argumenta Vargas que vocalizar es "ejercitar la voz con una sola vocal". Una muestra de gran ignorancia. Habrá que darle un vistazo al diccionario de la Real Academia. Es cierto que una de las posibles definiciones es solfear, pero no la única: "Articular con la debida distinción las vocales, consonantes y sílabas de las palabras para hacer plenamente inteligible lo que se habla o se canta". En este caso el canto de Dominguez fue pulcro y eso en un rol comprimario es deseable.

Después de lo anterior la Vargas me pide regresar a la "Bruta de Trofonio". Parece que después de todo ha dado algún vistazo a este sitio. Me honra saber que gente como ella me lee. Con gusto incluiré algunos artículos más didácticos para su uso.

Para finalizar esta réplica una persona que firma como Sensei me dice que antes de ser crítico tengo que ir a la Escuela de Música y luego pararme en un escenario antes de emitir un juicio. Me dice que mis puntos de referencia son los discos.

En primer lugar estudié el método Orff en una Academia de Música desde temprana edad, posteriormente estudié por ocho años solfeo y acordeón. Más otros 4 años de piano. Y aún así estoy convencido que las academias no lo son todo. Menos hoy en día que en muchas ocasiones forman a técnicos en música que ignoran la historia de la música, el repertorio y una visión integral del arte y la cultura. Para escribir sobre música u ópera primero hay que amarla y en el amor está el conocimiento y la humildad, así como el artista a veces no es infalible, el crítico tampoco lo es. No tiene uno que pararse en un escenario para criticar. El cantante que se dedique a lo suyo y el crítico a lo suyo. Estar de este lado no sólo es sentarse en un teatro, es consultar fuentes, partituras, libros, registros, experiencias en vivo. He escuchado ópera en Norteamérica y Europa. Esas experiencias han sido mis principales puntos de referencia. Si criticara con un disco en la mente no sólo sería injusto sino que ahí terminaría todo, pues esas grandes voces no regresarán.

Ópera de Nuevo León merece continuar. Il Trovatore lo ha demostrado. Si bien lo mejor de la noche se escuchó en las dos protagonistas femeninas (principalmente la Azucena de Amelia Siera) Luis Chapa es un tenor que tiene madera. Definitivamente es un tenor con agudos potentes pero no es una voz spinto, es un lírico con ciertos sobretonos spintos pero a veces se escucha empujado y esto hace que se crea que la voz es muy ancha. Probablemente en un teatro como el de la ciudad sea el caso pero no en uno de mayor tamaño. Histriónicamente jamás demostró nada especial, quizá esto es más culpa del director de escena pero en contraste con la Azucena o el Ferrando de Rosendo Flores Chapa no pudo redondear su personaje.

No pude escribir sobre el vestuario pero este favoreció el concepto escénico de Rafael Blásquez que cada vez muestra una mayor madurez en su trabajo. Ciertos elementos psicológicos de sus proyecciones se están convirtiendo en un sello personal de este artista.

Teatro: "El Deseo" de Víctor Hugo Rascón Banda en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey

2011-03-21T22:30:00.000-07:00

El Deseo de Víctor Hugo Rascón Banda es uno de los últimos trabajos del dramaturgo chihuahuense. La obra pone en escena los conflictos de la relación de una mujer madura y un joven universitario. Constituy principalmente una reflexión entre el conflicto de culturas a través de la relación de una pareja. Por un lado Susan es estadounidense y por el otro Víctor es colombiano. La soledad y egoísmo frente a la calidez y solidaridad.

Susan es una estadounidense controladora, rica, divorciada. Parece conformarse más en la sensualidad y capacidad sexual de Víctor. Los argumentos intelectuales son casi nulos más allá de la atracción física. En el caso de Víctor, le atrae la seguriad de Susan, quizá la posibilidad de tener sexo sin necesidad de buscarlo. La ingenuidad e inexperiencia lo llevan a casarse con Susan pues está en ese momento de su vida en que no se sabe bien qué es lo que se quiere hacer. La obra comienza con una Susan internada en el hospital psiquiátrico. Sus ataques de histeria e inseguridad la han llevado al delirio. Posteriormente la obra muestra el desarrollo de la relación de ambos desde sus inicios plenos de sensualidad hasta la frialdad final que lleva a Susan a despreciar a los familiares de Víctor refugiados de Colombia. El humor propio de este dramaturgo sobresale desde lo sutil hasta lo grotesco. En el transfondo hay una amargura y escepticismo hacia una posible comprensión global entre culturas.

La obra deja algunos cabos sueltos y esto delata su creación tardía en el canon de Rascón Banda. No queda muy bien realizada la pérdida de la razón de Susan. Claudia Marín quien la encarna en esta realización de Luis Martín logra representar el desequilibrio del personaje pero nada en el texto apunta hacia un final trágico de acuerdo a lo antes visto. El acento de Marin es discreto y evita caer en la caricatura. Quizá se adoleció de un juego más pasional en las escenas eróticas. Al ser un estreno es de esperarse que con mayor trabajo estas sean más naturales y menos coreografiadas.

Si Marín se muestra dominante de la escena desde el inicio pintando una Susan voluble y glacial Luis Alberto Rodriguez como Víctor es más que un complemento ideal. Su acento Colombiano es simplemente perfecto, la fuerza de sus movimientos, su fuego latino son de nota. La dirección de Luis Martín nos muestra un juego ingenioso que aprovecha al máximo el espacio reducido de la Sala Ponce de la ESMYDM. La cercanía del mensaje hace de esta obra un perfecto ejemplo del teatro camerístico.

Una buena opción para adultos y parejas que desean ver teatro efectivo y fuera de la vulgaridad usual. Marzo 24 al 27, mayo 20 al 22 y 27 al 29. Jueves a sábado 20:30. Domingo 18:00 Sala Ponce de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey

Lucia de Lammermoor: En vivo desde el MET de Nueva York, Monterrey

2011-03-20T11:45:00.000-07:00

Debo aceptar un “mea culpa” queridos lectores, he estado tan absorto en mi trabajo y proyectos que me desconecté de mi blog. No es que haya dejado de escribir o que piense desairar el sitio. Actualmente me encuentro trabajando en una colección de cuentos y terminé de revisar una obra de teatro sobre Rossini.

Decidido a darle más vida a este sitio, estoy preparando 4 nuevos artículos para el blog. En esta ocasión regreso contigo para hablar sobre el ciclo de óperas “En vivo desde el MET de Nueva York” que el Tecnológico de Monterrey a través de su Difusión Cultural y bajo la dirección de Fernando Treviño Lozano lleva al público en general. El sábado 19 de marzo asistí por primera vez para ver “Lucia de Lammermoor” de Gaetano Donizetti.

Desafortunadamente llegué tarde y el primer acto lo vi en el vestíbulo del Auditorio Luis Elizondo. Soy consciente de que reglas son reglas y la propaganda ha sido clara en cuanto a que se cerrarían las puertas del auditorio una vez comenzada la ópera. Estoy de acuerdo si esto fuera ópera en vivo en el amplio sentido del término. El público en general se lo ha tomado como función de cine, contestan el teléfono durante la función, dialogan entre amigas o amigos. Si bien la proyección de Lucia tuvo una asistencia relevante de ninguna forma se llenó el teatro. Los organizadores quizá pudieron haber pensado en bloquear una zona cercana a uno de los accesos para las personas que por alguna razón u otra (incluyendo la intransitabilidad de la ciudad) llegaron 3 o 5 minutos tarde.

El esfuerzo bien vale la pena pues ha acercado un quehacer operístico de primer nivel a una población ávida de disfrutar este género artístico. Las posibilidades educativas son relevantes pues ahora una buena parte del público podrá contrastar un reparto de primera línea con otro un poco más modesto como el que se podrá escuchar en los próximos Trovatore de ópera de Nuevo León.

Pero si bien hay una fricción especial por presenciar a distancia una ópera en vivo, la realidad es que la experiencia no suplanta a la de una función representada en sitio. La toma de sonido es de alta calidad pero no es distinta a la experiencia sonora de escuchar ópera en disco o video en la comodidad del hogar. El añadido aquí por supuesto es la pantalla gigante pero incluso el balance de la música puede ser engañoso; una transmisión de este tipo da escasa idea del tamaño de las voces. ¡Joseph Calleja que es un tenor lírico-ligero le sonó a algunos de los oyentes como un tenor dramático!

Considero importante dimensionar bien este tipo de proyectos los cuales sin lugar a duda contribuyen en gran medida a la cultura de nuestra ciudad. Sobretodo del incipiente mundo operístico regiomontano. Es una experiencia única por si misma pero no sustituye a la experiencia en vivo. Incluso la reseña o crítica de estas funciones deben de ser con un grado de mesura pues no se tiene una dimensión completa ni adecuada de la efectividad de una producción con tantos cambios de toma ni el sonido natural y proyección de las voces dentro de una casa de ópera.

Me sorprendió la crítica que realizó mi colega Alejandro Fernández para El Norte. Prácticamente nada le gustó salvo la intervención del barítono Ludovic Tezier. Si bien su opinión es respetable, creo que el arte operístico debe desarrollarse y no quedarse en el pasado anclado a producciones tradicionalistas hediendo a naftalina. La ópera es un arte siempre vigente y es importante ayudar a codifcar su mensaje al público de su tiempo y en este aspecto la propuesta de Mary Zimmerman es relevante. No hay por qué escandalizarnos, la productora no nos volvió locos, ubicó la trama resueltamente en la segunda mitad del siglo XIX, haciendo honor a la música decimonónica de Donizetti. El supuesto “basurero” no es más que un paraje boscoso típico de las zonas bajas de Escocia. El decaimiento de las familias Ashton y Ravenswood queda bien ejemplificado así como la melancolía natural del entorno. Vestir a Lucia de rojo en la boda ha sido un detalle teatral de parte de Zimmerman, la simbología de lo que representa para ella ese momento es inequívoco; correra sangre, habrá muerte. Es un mensaje y un desafío de parte de Lucia.

La orquesta bajo la batuta de Patrick Summers sonó espléndidamente al igual que el coro. La lectura del director titular de la Ópera de Houston fue acertada, tiempos fluidos favoreciendo el dramatismo de la obra, rubato juicioso sobretodo para apoyar el trabajo en la escena de la locura. La partitura (considerando los daños usuales que sufre la ópera belcantista) se escuchó generalmente completa salvo un corte en la cabaletta de Enrico, otro corte en la stretta final del segundo acto, otro en el dueto de Enrico y Edgardo al principio del tercer acto y un recitativo corto entre la escena de la locura de Lucia y el aria final de Edgardo.

Natalie Dessay es hoy por hoy la Lucia más completa que se puede escuchar en el mundo. Si bien es probable que este papel no lo cante ya por mucho tiempo, Dessay encarnó una Lucia que paulatinamente pierde la razón al mismo tiempo que ve su vida acorralada por la voluntad de su hermano. La voz de bello timbre posee una buena emisión, técnica impecable y una expresividad que la ubica entre las grandes cantantes de nuestro tiempo en su repertorio. La inteligencia para abordar momentos de gran drama teatral y vocal como la escena de la locura quedó patente; un torbellino de emociones que nos conmovió ante su trágica suerte. Algún agudo tirante al final del segundo acto evidenció el paso del tiempo. La voz mantiene sus cualidades vocales principales con algún adelgazamiento en el registro agudo.

Joseph Calleja realizó un Enrico redondo que no desluce frente a los más importantes exponentes del papel en los últimos veinte años. Canto de gran estilo, con una voz lírico ligera de gran belleza expresiva y únicamente en el registro medio hay que aceptar un vibrato rápido que es parte natural de su voz. Sus agudos resultaron bien timbrados y su presencia escénica convincente.

Ludovic Tezier impresionó con su poderosa estatura y dignidad escénica pero sobretodo derrochó una voz que está lista para cantar un repertorio más dramático. Espléndida emisión y estilo. Timbre oscuro, agudos anchos. Un Enrico obsesionado con restaurar su honor a costa de todo. El Raimondo de Kwanchul Youn convenció por poseer una voz de bajo cantante oscura, con sobretonos de gran belleza. No me pareció impropio escénicamente considerando que el día de hoy no hay más de 5 o 6 voces de bajo de primer nivel. Hoy en la ópera los chinos, negros, cafés y demás si sus méritos vocales lo denotan tienen derecho a aparecer en cualquier producción.

Los comprimarios estuvieron aceptables salvo el Normanno que ni físicamente(chaparrito cuerpo de uva) ni vocalmente dio el kilo. ¡Y yo que pensaba que era imposible equivocarse en ese rol!